I'D LOVE YOU TO WANT ME - LOBO 1972

I'D LOVE YOU TO WANT ME - LOBO 1972

Infaltable en los momentos de las lentas, pues es una de las mejores baladas de los años 70’. Es una canción de amor, donde su letra insiste en todo momento ‘quiero que me quieras como yo te quiero’. La canción quedó muy redonda con el sonido acústico de la guitarra.

I’d Love You To Want Me, en español ‘Me encantaría que me quSIERAS’, es una balada compuesta en 1972 por Lobo Roland Kent LaVoie, más conocido por ‘Lobo’. La lanzó ese mismo año en formato sencillo, en la temporada de otoño estadounidense. La balada pegó tan fuerte en las pistas de baile y en las radios que enseguida trepó como ‘leche hervida’ a los primeros lugares en los Billboard Hot 100 chart, donde pasó dos semanas en el número dos en noviembre de ese año. Luego llegó a número uno y se mantuvo por una semana en ese lugar otorgándole a Lobo el disco de oro.

Cuando originalmente lanzado en el Reino Unido en 1972, la canción no pudo llegar a la lista de singles del Reino Unido; sin embargo, un re-lanzamiento del single en 1974, en el Reino Unido etiqueta, alcanzó el puesto número 5 de los chart británicos.

La canción también encabezó las listas de música en Australia (Informe Música Kent, dos semanas), Canadá (RPM revista, una semana) y Alemania (gráficos de control de los medios de comunicación, 13 semanas en 1973-1974).

Que la disfruten!!!

I'D LOVE YOU TO WANT ME

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LOST IN YOUR EYES - JEFF HALLEY

LOST IN YOUR EYES - JEFF HALLEY 1992

EL protagonista DEL QUE HOY HABLARÉ NACIÓ EN TORONTO CANADA EL 25 DE MARZO DEL año 1966 
y la verdad es que de entrada la vida no le puso las cosas muy fáciles ya que antes de llegar al año de edad se quedó ciego a causa de un extraño cáncer que afectó sus ojos.
Empezó a tocar la guitarra cuando tenía tres años y desde el primer momento lo hizo colocando la guitarra plana sobre su regazo igual que hacen algunos guitarristas de slide. De hecho Jeff también empezó tocando con slide. A este modo de tocar la guitarra se lo conoce como ‘lap guitar’.
LA CANCIÓN "TU COSA FAI STASERA" ES ORIGINAL Habitualmente estas guitarras están afinadas de manera diferente a las guitarras convencionales. Unos años más tarde Jeff descubrió la afinación estándar y decidió dejar de usar el slide y empezar a tocar con los dedos. En este punto Jeff se tuvo que plantear si modificar la posición de la guitarra y aprender a tocar ‘como todo el mundo’ o dejar la guitarra en posición horizontal e inventarse un nuevo modo de tocar. Finalmente se decidió por la segunda opción de modo que empezó a aprender como hacer acordes y digitaciones con los dedos de su mano izquierda. El resultado recuerda mucho a la mano de un pianista, una posición muy diferente de la de un guitarrista.
Y lo cierto es que el invento le funcionó muy bien porque a pesar de este modo tan poco ortodoxo de tocar, Jeff Healey pudo sacar de su guitarra toda la música que llevaba dentro.
Fue en el año 1988 cuando salió el primer disco de ‘The Jeff Healey band’, titulado ‘See the light’.
Respecto a su técnica, en primer lugar hay que decir que sonar suena igual que cualquier otro guitarrista. Se te limitas a escucharle no dirías que toca del modo que lo hace. Digamos que obtiene el mismo resultado pero de distinto modo.
Su estilo tiene algunas ventajas: la postura de su mano le permite utilizar los cinco dedos, incluido el pulgar. Los guitarristas tradicionales esto no lo pueden hacer. En el vídeo se ve claramente el uso frecuente de su dedo pulgar. Le va muy bien para ‘tirar’ de las cuerdas ya que es un dedo fuerte, aunque para este efecto también usa los otros dedos cuando le conviene. Poder utilizar el pulgar le permite abrir la mano mucho más y abarcar muchos más trastes, aunque aparentemente no es un recurso que utilice mucho. También habréis visto que toca con una púa normal y corriente. Es una púa triangular enorme pero aparte de esto no tiene nada de especial. Evidentemente él no tocaba la púa arriba y abajo sino adelante y atrás. En general para él adelante es abajo y atrás es arriba. Lo que no podía hacer eran cejillas (pulsar varias cuerdas a la vez con un solo dedo), pero teniendo un dedo de más a su disposición no le resultaba demasiado problemático.
Resulta muy curiosa también la manera de tocar de pie. Conseguía tocar y sostener la guitarra al mismo tiempo y sin ayuda de ninguna correa.

Después del primer disco Jeff apareció en una película titulada ‘Road House’ y protagonizada por Patrick Swayze. Se puede decir que en esta película Jeff Healey hizo el papel de Jeff Healey debido a una curiosa casualidad.
Parece ser que el guionista vio tocar en algún club de Toronto a Jeff y esto le dio la idea para un personaje de la película: un muchacho ciego que toca con la guitarra en su regazo. A la hora de hacer el casting y buscar un guitarrista con esas características evidentemente sólo lo encontraron a él.
Esta no es la única incursión fuera del mundo estrictamente musical. Tenía una impresionante colección de vinilos antiguos de 78 rpm. (alrededor de 10.000) principalmente de jazz, blues y gospel. Su pasión por esta clase de música y su enorme fondo discográfico le permitió tener un programa de radio donde podía poner algunas de estas reliquias fonográficas. Sabiendo todo esto no es de extrañar que declarase que Louis Armstrong era el músico al que más admiraba.
Después de See the light llegaron Hell to pay (1990) y Feel this (1992) que también tuvieron bastante éxito. En el año 1995 sacó un disco de versiones llamado Cover to cover.
Unos años más tarde parece que empezó a perder interés por el rock y se pasó al jazz. Por desgracia el cáncer se volvió a cruzar en su vida y en esta ocasión con mortales consecuencias. Después de luchar durante unos años contra la enfermedad finalmente murió en el año 2008.
Como se suele decir en estos casos, Jeff nos dejó pero nos ha quedado el legado de su música.
Creo que el mejor modo de terminar es viendo otro vídeo de este gran músico. Una bonita balada titulada Lost in your eyes. DEL DISCO FEEL THIS EDITADO EN 1992

Que la disfruten!!!

LOST IN YOUR EYES

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DARIO BALDAN BEMBO

DARIO BALDAN BEMBO

DARÍO es un CANTAUTOR Y COMPOSITOR ITALIANO NACIDO EN MILÁN EN EL AÑO 1948.
NO FUE MUY CONOCIDO EN ESPAÑA, EN LA ÉPOCA DORADA DE LA CANCIÓN ITALIANA, PORQUE HABÍA OTROS COMO LUCIO BATISTI, CLAUDIO BAGLIONI, RICHARD COCCIANTI, ALBANO, DRUPI Y ALGUNOS EN ESA LINEA MELODICA DE ENTONCES.
PERO SI HA COLABORADO CON MUCHOS DE ELLOS COMO TECLISTA Y COMPOSITOR. Y EN SOLITARIO HA DEJADO GRANDES PINCELADAS DE SU SABER HACER MUSICAL, COMO LAS DOS PIEZAS QUE HOY DEJO DE ÉL.

lA PRIMERA CANCIÓN SE TITULA "ARIA" Y ME LLENA DE EMOCIONES Y SENSACIONES ESPECIALES CUANDO POR ESE AÑO 1975, RESIDÍA EN LA LA PENSIÓN DE LA SEÑORA PILAR AL FINAL DEL PASEO FERNANDO EL CATOLICO. SOLÍA IR EN MIS RATOS LIBRES A UNA CAFETERÍA LLAMADA ATILA, DONDE TENÍAN ESTA CANCIÓN EN LA MAQUINITA DE METER DINERO PARA ESCUCHAR LAS CANCIONES QUE TE APETECÍAN Y ESTA ERA UNA LA PRIMERA QUE ESCUCHABA SIEMPRE. rE CUERDO A LOS DUEÑOS DE LA CAFETERÍA COMO SIEMPRE AL ENTRAR ME HACÍAN UNA INDICACIÓN COMPLICE DE QUE AHÍ ESTABA LA ROCKOLA. JAJAJAJA.

lA SEGUNDA CANCIÓN ES UNA MUCHO MÁS CONOCIDA, GRACIAS A LAS VERSIONES QUE HAN HECHO OTRAS PERSONAS DE ELLA, SOBRE TODO UNA DE LA ARCHICONOCIDA SARAH BRIGHTMAN CON SU ESTILO Y BUEN HACER COMO SOPRANO
LA CANCIÓN "TU COSA FAI STASERA" ES ORIGINAL DE DARÍO Y CON ELLA PARTICIPÓ EN EL AÑO 1981 EN EL FESTIVAL DE SAN REMO, CLASIFICANDOSE EN EL TERCER PUESTO.
COLOCO LA VERSIÓN ORIGINAL DE SU PROPIA VOZ, PARA QUE ASÍ SE PUEDA RECUPERAR SU ESTILO ORIGINAL Y AQUELLOS QUE CONOZCAN LAS DIFERENTES VERSIONES PUEDAN APRECIAR LAS DIFERENCIAS.

Que la disfruten!!!

ARIA

TU COSA FAI STASERA

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SEPTEMBER BLUE - CHRIS REA

september blue - chris rea 1987

Christopher Anton Rea, es un músico británico, nacido el 4 de marzo de 1951 en Middlesbrough, Inglaterra. A sus facetas más conocidas de cantautor, guitarrista, compositor y productor musical, se añaden las de pintor, actor y piloto de carreras.

La mayor parte de la carrera musical de Rea se basa en una fusión de pop, rock y blues, con ocasionales elementos orquestales, de soul, gospel, jazz, música electrónica, y música tradicional italiana e irlandesa, dominada por su distintiva voz, grave y rota, y por su característica técnica de guitarra, basada en el uso del slide de cristal, o bottleneck. Con el paso de los años, su música ha ido derivando hacia el estilo Delta blues, su mayor influencia, mezclado con elementos de gospel y jazz.

De su extensa carrera musical son famosos los éxitos Fool(If You Think It's Over), I Can Hear Your Heartbeat, On The Beach, Josephine, Looking For The Summer, Julia, Auberge y The Road To Hell (Part II), entre otros.

En el año 2002, tras sobrevivir a una serie de operaciones quirúrgicas de alto riesgo,[1] su música volvió a las raíces jazz-blues.
Está muy difundida la falsa idea de que Chris Rea sustituyó al cantante David Coverdale en una banda llamada Magdalene cuando éste la abandonó en 1973 para unirse a Deep Purple. Lo cierto es que, por esa época, Coverdale cantaba en un grupo llamado The Fabulosa Brothers.
A menudo, público y profesionales confunden a Chris Rea con Chris de Burgh y Robert Palmer. Han llegado a invitarle a salir de un plató para dar paso a... ¡Chris Rea!.[7]
Aunque educado en el catolicismo ortodoxo, Rea se declara optimistamente abierto.[7]
Las canciones Josephine y Julia están dedicadas, respectivamente, a sus dos hijas.Tras el fallecimiento de su madre, Winifred, compuso ESTA HERMOSA canción September Blue. Y Posteriormente le dedicó The Mention Of Your Name.

Que la disfruten!!!

september blue

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THE HOUSE OF LORDS

THE HOUSE OF LORDS

Después de la reunión de Giant, éste era, sin ninguna duda, uno de los regresos más esperados por los buenos aficionados al hard rock melódico. También ha sido uno de los más anticipados, porque los rumores sobre su vuelta llevan ya varios años circulando y, por un motivo u otro siempre acababan en nada, hasta ahora.

La primera sorpresa es la falta del teclista, miembro fundador y hombre fuerte del grupo,Gregg Giuffria. Teniendo en cuenta que este grupo era su proyecto y que su sonido era seña identificativa de la banda, esto resulta aún más extraño, pero parece que las desavenencias entre él y los demás miembros de estos remozados House of Lords han podido más que la lógica. Por otro lado, salvo Giuffria, esta nueva versión del grupo incluye la formación clásica que grabó el primer album de nombre igual que el del grupo, y una de las obras maestras más apabullantes de la historia de A.O.R. Si considerados que cada uno de ellos, Lanny Cordola, Ken Mary, Chuck Wright y James Christian son verdaderos fueras de serie en sus instrumentos, podemos considerar esto, al menos,como una garantia de calidad. Por otro lado la ausencia de Giuffria ha sido reemplazada por las colaboraciones de destacados teclistas entre los que podemos destacar al ex-Dream Theater y miembro de Planet X, Derek Sherinian, y al ex-Bad English Ricky Phillips,entre otros.

Lo cierto es que este "The power and the myth" ha sido recibido con cierta sensación de decepción por los aficionados, y he de decir que, aunque puedo entenderlo, no lo comparto en absoluto. Creo que es un buen disco, aunque bastante diferente de lo que nos había acostumbrado el grupo en el pasado. Es este un disco más duro y oscuro, con más mala leche, no tiene la grandiosidad de "House of Lords", ni la accesibilidad de "Demons down".Es como si Hose of Lords fueran una metáfora del mundo y reflejasen que estamos en tiempos bastante menos optimistas que en 1990.También es obvio que sin Giuffria el grupo pierda ampulosidad (su característico toque entre "pomp" y sinfónico,según él inspirado en el compositor clásico Aaron Copland),pero a cambio ofrecen un sonido más directo y rockero. Tampoco se han vuelto progresivos como se oye decir por ahí, aunque la interpretación instrumental es tan impecable como cabe esperar de gente de este calibre.Es un disco menos accesible, al que se le va sacando jugo en sucesivas escuchas y con grandes canciones como "Today" , "The man who i am", "Bittersweet euphoria"(que refleja bien el espíritu del disco) o "Children of rage" cuyo inicio tiene un cierto aire al "Knockin´on heaven´s door" de Bob Dylan. Además James Christian canta de fábula, como siempre, y tiene a su mujercita, la espléndida (en todos los sentidos) Robin Beck, echándole un cable en lo que haga falta.

En fin, que si evitas comparaciones con tiempos pasados y les juzgas sólo por lo que presentan en este disco ,seguro que le acabas pillando el punto.

HOUSE OF LORDS son:
JAMES CHRISTIAN: vocalista, CHUCK WRIGHT: bajo, lanny cordola: guitarras, ken mary: batería

COLABORACIONES: DEREK SHERINIAN, RICKY PKILLIPS, ALAN OKUYE, SVEN MARTIN: TECLADOS
ROBIN BECK Y DAVID VICTOR: COROS 

QUE LA DISFRUTEN!!!
HOUSE OF LORDS - CHILD OF RAGE 2004

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MY BOY - NEIL YOUNG 1985

MY BOY - NEIL YOUNG 1985

es una balada QUE HE LLEVADO CONMIGO DESDE HACE MÁS DE 30 AÑOS Y AHORA ES QUE POR FIN HE PODIDO SACARLA PARA COMPARTIRLA CON LA PERSONA QUE HIZO QUE ESTA CANCIÓN FUERA SUYA Y MIA,
DESPUÉS DE TANTOS AÑOS HA SIDO POSIBLE EL REENCUENTRO DE LA FAMILIA Y POR FIN SE HA CERRADO EL CIRCULO, MI CIRCULO.
MY SON YA ES MI HIJO Y YO SU PADRE. GRACIAS A DIOS PADRE, A SU HERMANA JENNIFER Y A MI AMADA ESPOSA ISABELITA, QUE HAN LUCHADO SIN DESCANSO PARA QUE HOY PODAMOS DISFRUTAR ESTE HERMOSO MOMENTO.
GRACIAS TAMBIÉN A MY BOY POR SABER SOLTARSE DE LAS CADENAS DEL PASADO Y HACER POSIBLE LA REALIDAD QUE YA CREÍA IMPOSIBLE.

COMO HAS CRECIDO TAN RÁPIDO MY SON?
Y QUE BUENO QUE HAYAS CRECIDO TAN BIEN...

Que la disfruten!!!

MY BOY - NEIL YOUNG 1985

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HE AIN'T HEAVY, HE'S MY BROTHER - THE HOLLIES 1969

HE AIN'T HEAVY, HE'S MY BROTHER - THE HOLLIES 1969

"HE AIN'T HEAVY, HE'S MY BROTHER"

"EL NO ES UNA CARGA, ES MI HERMANO"

es una balada escrita por Bobby Scott y Russell Bob. Originalmente grabada por Kelly Gordon en 1969, la canción se convirtió en un éxito mundial con la versión grabada por The Hollies al final de ese año, y de nuevo por Neil Diamond en 1970. Dicen que el hecho que inspiró esta canción es el siguiente: cierta noche, en una fuerte tormenta de nieve, en la sede de un orfanato en Washington DC, un sacerdote que estaba de guardia oyó a alguien llamar a la puerta.

Al abrirla descubrió a un niño cubierto de nieve, con poca ropa, llevando a la espalda a otro niño más pequeño. Con el hambre pintada en el rostro, el frío y la miseria de ambos conmovió al sacerdote, que les hizo entrar y exclamó: “¡Debe ser muy pesado!”, refiriéndose al niño cargado a la espalda.

El niño que lo cargaba dijo: “él no pesa, es mi hermano. (He ain’t heavy, he is my brother) No eran hermanos de sangre realmente. Eran hermanos de la calle.

¿Es cierta esta historia? La verdad es que hay otras versiones anteriores: en una de ellas, que se remonta a 1884, quien cargaba con el peso del pequeño era su hermana mayor. Otra versión de la historia apareció publicada en la revista Kiwanis en 1924. 


Pero la historia de los dos muchachos sí se convirtió en un icono cuando el sacerdote católico Edward J. Flanagan la eligió como logotipo de su Ciudad de los Muchachos (Boys Town) en Omaha (Nebraska), un orfanato que daría esperanza a cientos de muchachos abandonados en las calles a principios del siglo XX. La obra del padre Flanagan fue inmortalizada por Hollywood en 1938 con Spencer Tracy en el papel del padre Flanagan, y Mike Rooney como protagonista.

La versión de The Hollies, que contó con Elton John al piano, fue lanzada en el Reino Unido el 1 de septiembre de 1969, donde alcanzó el tercer puesto, y el 1 de diciembre de 1969 en EE.UU. (7º lugar del ranking). La canción fue relanzada a finales de 1988 en el Reino Unido después de su utilización en un anuncio televisivo para la cerveza Miller Lite. Alcanzó el 1º puesto durante dos semanas en septiembre de 1988.

Que la disfruten!!!

HE AIN'T HEAVY, HE'S MY BROTHER

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THE AIR THAT I BREATHE - THE HOLLIES 1974

THE AIR THAT I BREATHE - THE HOLLIES 1974

“The air that I breathe”
"el aire que respiro"

es una canción popularizada por la banda de rock británica “The Hollies”, incluida en su álbum “Hollies” de 1974.

Compuesta por el cantautor de Gibraltar Albert Hammond y el compositor británico Mike Hazlewood, fue incluida en el álbum de Hammond “It Never Rains in Southern California” de 1972, pero tuvo poca difusión e inicialmente pasó casi desapercibida.

Sobre la letra, en 1992 en una entrevista para la radio BBC el músico se dio el tiempo de hablar sobre esta canción, y en esa ocasión mencionó: “Cuando escuchan la canción muchos creen que las palabras van dedicadas a la mujer mas hermosa del mundo, pero no es así. Esta canción fue escrita para alguien común y corriente, quizás no tan bella físicamente pero realmente hermosa en su espíritu. Esa mujer era cálida y amable y siempre la recordaré … Esa persona me ayudó mucho e incluso me dio refugio a mi llegada a Los Ángeles cuando yo no tenía ningún lugar donde alojarme“. Además agregó: “Un día me senté al lado de Mike Hazlewood y le conté todo lo que había vivido en esa ciudad y cuánto me había ayudado esa mujer, y fue en ese entonces cuando Mike dijo la frase “es por el aire que respiramos ahí” (lo cual estaba asociado a que en Los Ángeles había mucho smog), pero así fue como nació esta canción, entre una historia de amor y una frase ligada a la ecología. Sea como sea funcionó“.

Con el regreso del cantante Allan Clarke a los Hollies, buscaron material para su nuevo disco y contrataron a Alan Parsons como ingeniero de sonido, quien tenía ya en su currículum haber trabajado con grupos como Los Beatles y Pink Floyd. Decidieron hacer una versión de esta canción de Hammond, pero esta mostraba una calidad musical muy depurada, más la excelente voz de Clarke y un interesante y precioso juego de voces. Lanzaron esta como el primer sencillo del álbum, siendo todo un éxito, y llegando a ocupar el #2 en el Reino Unido, #1 en Holanda y Nueva Zelanda, #5 en Canadá y #6 en Billboard en los EEUU.

A veces perseguimos cierto atractivo físico que nos han vendido los medios como nuestra pareja ideal, sin embargo es una persona “común y corriente” la que llega a nuestras vidas y se CONVIERTE en ese ser que nos da felicidad, que nos impulsa y nos alienta, y TERMINA SIENDO NUESTRO COMPAÑERO Y cómplice de nuestro camino.

Que la disfruten!!!

THE AIR THAT I BREATHE

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IT NEVER RAINS IN SOUTHEN CALIFORNIA - ALBERT HAMMOND 1972

IT NEVER RAINS IN SOUTHEN CALIFORNIA - ALBERT HAMMOND 1972

«It Never Rains in Southern California» se convirtió en el número cinco en el American Billboard Hot 100 y colocó un millón de copias en todo el mundo, siendo el primero de una cadena de ocho sencillos que se convertirían en éxitos en los cinco años siguientes. El álbum incluyó «Down by the River», «If you gotta break another heart» y «The air that I breathe». 

Este cantautor ingles aunque de origenes gibraltareños dice al respecto de su canción:

"Es una de las canciones favoritas de Al Stewart. Él la canta en directo en todos sus shows y, siempre que me pilla cerca, la canto con él en directo. Lógicamente, esta colaboración era evidente para los dos desde un primer momento". 

"La canción realmente cuenta la historia de mis inicios como músico en Madrid, cuando nadie me conocía y la vida era muy dura para mí".
Kenny Laguna, productor y teclista que trabajó posteriormente con Joan Jett, fue un testigo de esa sesión de ensayos donde estos dos músicos crearon la canción. Laguna menciona "andaba por esos lados trabajando y me encontré con Tommy que me llamó a que vaya a escuchar lo que estaban haciendo en la sala de ensayos. Quedé impresionado con su trabajo, era una canción hermosa e increíble y entre ellos dos escribieron la canción, la arreglaron y tocaron todos los instrumentos en la grabación".

Que la disfruten!!!

IT NEVER RAINS IN SOUTHEN CALIFORNIA

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CRIMSON & CLOVER - TOMMY JAMES & THE SHONDELLS 1968

CRIMSON & CLOVER - TOMMY JAMES & THE SHONDELLS 1968

"Crimson & Clover" es una canción de la banda norteamericana Tommy James & The Shondells. Fue escrita por Tommy James y Peter Lucia y es una de las canciones mas famosas de esta banda y de la DÉCADA de los sesenta, siendo considerada como un pieza clave de la música psicodelica. Fue publicada en noviembre de 1968 y alcanzó el primer en el Billboard Hot 100 en 1969, lo cual hizo que la canción se hiciera mas popular en el mundo.

El origen de esta canción viene por parte de un esfuerzo de Tommy James de componer un éxito para su banda sin ayuda de otro compositor, especialmente del productor Bo Gentry que le habia colaborado con varias de sus canciones mas exitosas. Además Gentry habia decidido no venderle mas canciones a la banda en señal de protesta con la discográfica Roulette Records que le debian algunos dineros de sus derechos de autor.
Este fue una gran problema para la banda, la ida de uno de sus mejores compositores los dejaba al borde del abismo, ya que el manager y los productores de la banda ya habian amenazado a Tommy James con que si no conseguia un compositor para sus canciones simplemente su carrera se iria en picada al suelo. Pero James declaró que él se podía hacer cargo de las canciones y al ver que la idea no era aceptada por los productores y gerentes de la discográfica, se dispuso a taparles la boca con una canción.
Así fue que, fiel a su idea de hacer una buena canción, James se juntó con el baterista Jim Payne en los estudios Allegra ubicados en la calle 1650 en Broadway y empezaron a escribir "Crimson and Clover" basados en la flor (trébol) y el color favorito (carmesí) del cantante.

Kenny Laguna, productor y tecladista que trabajó posteriormente con Joan Jett, fue un testigo de esa sesión de ensayos donde estos dos músicos crearon la canción. Laguna menciona "andaba por esos lados trabajando y me encontré con Tommy que me llamó a que vaya a escuchar lo que estaban haciendo en la sala de ensayos. Quedé impresionado con su trabajo, era una canción hermosa e increíble y entre ellos dos escribieron la canción, la arreglaron y tocaron todos los instrumentos en la grabación".

Esta canción es famosa por ese efecto vocal "tembloroso" que aparece en la parte final de la canción. Este efecto fue hecho por James enchufando su micrófono al amplificador de su guitarra, y, luego activando el efecto de trémolo o sucesión rápida de notas, y con eso empezó a cantar repetidamente la frase "crimson and clover, over and over" que es una caracteristica muy llamativa de esta gran canción que incluso muchos oyentes asombrados con ese efeto creyeron que lo que decia esa frase era "Christmas is over" en lugar de "crimson and clover".

Esta canción fue todo un éxito para esta banda, y de paso James les dejó claro a los produtores que tambien podía hacer una canción exitosa sin la ayuda de un compositor elegido por la discográfica.
En 1981, la cantante Joan Jett junto a su banda The Blackhearts hizo una versión de esta magnífica canción con un toque mas punk y que llegó al séptimo puesto en los charts norteamericanos colaborando con más popularidad a este gran tema.

Que la disfruten!!!

CRIMSON & CLOVER

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KILLING ME SOFTLY WITH HIS SONG - ROBERTA FLACK 1971

KILLING ME SOFTLY WITH HIS SONG - ROBERTA FLACK 1971

HOY DEJO UNA HERMOSA CANCIÓN EN LA VERSIÓN MAS CONOCIDA, YA QUE EN REALIDAD ESTÁ BASADA EN OTRA, QUE ES LA QUE INSPIRÓ A ROBERTA A HACER VARIACIONES SOBRE ELLA DEJANDO LA ORIGINAL EN ESTA HERMOSA E INOLVIDABLE CANCIÓN.

“Killing Me Softly with His Song” (Suavemente me matas con tu canción) es un tema compuesto en el año 1971 por Charles Fox con letra de Norman Gimbel.

Está inspirado en el poema “Killing Me Softly with His Blues”, que Lori Lieberman escribió después de oír interpretar la canción “Empty Chairs” al entonces desconocido Don McLean, quien luego se haría famoso con su éxito “American Pie”.

La primera versión de este tema la llevó a cabo la propia Lori Lieberman, en el mismo año en que fue compuesta. Ella tenía entonces 20 años. No tuvo demasiado éxito.

Sin embargo, dos años después, la cantante de soul Roberta Flack haría una nueva versión que la convertiría en un gran éxito, uno de los grandes clásicos de la música. Con ella ganaría tres Grammy.

De este tema se han hecho cientos de versiones y por los más grandes intérpretes, empezando por Sinatra o el propio Michael Jackson.

Como curiosidad, decir que “Killing me softly with his song”, en la versión de Roberta Flack, fue prohibida en la BBC, junto con otro buen puñado de clásicas del rock y el soul, durante la primera Guerra del Golfo, con la excusa peregrina de que no era conveniente que los británicos sufrieran al escuchar la palabra matar en su querida e independiente radio pública mientras durase la guerra y sus chicos estuvieran en ella.

Me ha sido muy difícil elegir los videos de hoy. Hay cien maravillosas versiones. Al final me he decidido por una maravillosa Roberta Flack en directo. Por la versión Lori Lieberman. Y por el tema de Don Don McLean del que partió todo. “Empty Chairs”, la canción que inspiró a Lori Lieberman.

Que la disfruten!!!

KILLING ME SOFTLY WITH HIS SONG

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MY SWEET LORD - GEORGE HARRISON 1970

MY SWEET LORD - GEORGE HARRISON 1970

Mientras MAS ESCUCHO A HARRISON MÁS LE VEO SU INTERIOR Y EL INTIMISMO DE SUS CANCIONES Y MÁS ME GUSTAN
La historia de una canción. La de hoy pertenece al inolvidable George Harrison y se titula, como ya PUEDES VER  DE SU PRIMERA CANCIÓN EN SOLITARIO “My sweet Lord”.

Incluida en el que probablemente es el disco más conocido y recordado del ex beatle, “All things must pass”, sonó por primera vez en el año 1970 tras ser estrenada en primer lugar en Estados Unidos. Fue a principios de 1971 cuando vio la luz en el Reino Unido. A pesar de su mensaje de fe, de su carácter místico y de constituir una alabanza al dios Krishna, no estuvo exenta de polémica. El autor fue demandado por plagio al descubrirse notables similitudes entre My sweet Lord y una canción de The Chiffons titulada “He’s so fine”, del año 1962. Harrison pagó su correspondiente multa, aunque la coincidencia no se consideró un plagio estricto. Después de aquel proceso legal, George Harrison llegó a asegurar que se “obsesionaba” con todas las canciones que escuchaba: todas le parecían basadas en melodías conocidas. La polémica se extendió durante años, tanto es así que según dicen, terminó por comprar los derechos de ambas canciones (la suya y la de The Chiffons) para evitar más problemas.

En cualquier caso, la canción obtuvo numerosos discos de platino y alcanzó lo más alto de las listas por última vez en el año 2002, tras el fallecimiento de su autor. Según relató el propio Harrison, la canción había sido compuesta en 1969 después de una rueda de prensa. Con la excusa de las palabras “aleluya” y “hare krishna”, empezó a enlazar acordes, y creó una melodía que ha pasado a la historia. En la producción, Phil Spector, responsable también de éxitos de Beatles y de John Lennon en solitario.

Que la disfruten!!!

MY SWEET LORD

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DON'T CLOSE YOUR EYES TONIGHT - JOHN DENVER 1985

don't close your eyes tonight - john denver 1985

esta es una hermosa balada de un john denver evolucionado del año 1985, EXTRAÍDA de su ÁLBUM "dreamland express" Para mi gusto una canción ESPECTACULAR que se sale de su clásica linea country que se refleja en la imagen de la derecha, que corresponde al año 1973

Que la disfruten!!!

DON'T CLOSE YOUR EYES TONIGHT

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ANGIE - THE ROLLING STONES - 1973

ANGIE - THE ROLLING STONES 1973

Para quien no lo sepa, estos señores fundaron su banda en 1962, o sea que ya llevan 55 años en esto de la música, que ya es algo. Aunque con el paso del tiempo han tenido algunos cambios en la formación, concretamente en este periodo desde 1969 hasta 1975, al que pertenece Angie, estaban en el grupo: Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Bill Wyman, Mick Taylor y el llamado "sexto Stone" Ian Stewart. 

Esta balada fue escrita principalmente por Keith Richards. Es una pieza acústica cuyo mensaje principal es el tan sobado tema del fin de un amor, con una desgarradora interpretación vocal de Mick Jagger, marcada por el piano de Nicky Hopkins y arreglo de cuerdas de Nicky Harrison. Aparece en el álbum de 1973 Goats Head Soup, con una tormentosa grabación en Jamaica. La canción llegó al tope de la Bilboard de EE.UU. y al Nº5 en el singles chart del Reino Unido, los británicos siempre más exigentes.

Hay muchas leyendas acerca de este tema, una es que fue escrito por Jagger para la esposa de David Bowie, Angela o que pudiera estar relacionado con la hija recién nacida de Richards. Una curiosidad, la UDC de Alemania usó esta canción para la campaña electoral de Angela Merkel, ¡Estás en el mundo y es un loco mundo! como diría Moris.

Con todos vosotros: ¡¡Sus jovencísimas Majestades Satánicas!!
Que la disfruten!!!

ANGIE

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WONDERFUL TONIGHT - ERIC CLAPTON - 1978

WONDERFUL TONIGHT - ERIC CLAPTON 1978

"Wonderful Tonight "es una canción del famoso músico íngles Eric Clapton. Pertenece al disco Slowhand de 1977, que es uno de los mejores discos de este gran guitarrista, donde resaltan varias canciones que ya son tachadas de clásicas, como esta que HOY COLOCO.
El single de esta delicada balada fue lanzado recien en 1978 y fue un gran éxito en ventas, ayudando aún más a la popularidad del impresionante disco.

Esta balada es de las mejores composiciones de Clapton en su etapa setentera. La inspiración y dedicación de esta romantica pieza fue para Pattie Boyd, quien era su novia por ese entonces. boyd era novia de George Harrison hasta que conoció al mejor amigo del ex-Beatle y decidió irse por el fácil y peligroso camino de la infidelidad y los engaños en una relación amorosa marcada por la lucha de egos entre esos dos pesos pesados del rock que le dedicaron grandes canciones a la figura de esta hermosa pero "pilla" joven. Ejemplos claros fueron Something y "For Your Blue" de Harrison, mientras que Clapton le regaló los versos de "Layla" y "Wonderfull Tonight" . Todo esto fue corroborado años DESPUÉS en el libro autobiográfico de Pattie Boyd titulado Wonderful Tonight: George Harrison, Eric Clapton, and Me.

Pero volvamos a la canción... "Wonderfull Tonight" fue escrita en 1976 por Clapton mientras esperaba impaciente que Patti Boyd se arreglara y maquillara para asistir a un tributo de Buddy Holly donde Clapton compartiría escenario junto a Paul McCartney.

En una entrevista con el periodico The Guardian en 2008, Pattie Boyd recordó que Clapton "estaba sentado a mi lado tocando su guitarra, mientras yo trataba de elegir un vestido para llevar al show. Al parecer ya llevaba harto rato en eso, mas encima no estaba a gusto de mi peinado, mi ropa, todo, asi que en ese rato Eric me grita "¡Escucha esto!" y empezó a tocar los acordes de esta canción que la habia compuesto mientras yo me arreglaba..."

Musicalmente es una canción notable, llena de magia en los riffs de guitarra y con un sonido blues muy delicado y cuidado casi a la perfección. Además Clapton se dió el lujo de colocar algo mas "pop" en esta canción y eso le jugó a favor, ya que se estaba desligando un poco del rock sesentero del cual fue protagonista principal y pudo dar cuenta a su publico que tambien estaba para sonidos actuales en sus discos y eso se nota en sus posteriores publicaciones discograficas.
Que la disfruten!!!

WONDERFUL TONIGHT

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I WANT TO KNOW WHAT LOVE IS - FOREIGNER

I WANT TO KNOW WHAT LOVE IS - FOREIGNER  1984

"I Want to Know What Love Is" quizás sólo con decirte el título del a canción no haga falta más, la conocerás de inmediato.
Es de 1984 y fue grabada por el grupo de rock Foreigner. La canción alcanzó el numero 1 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, es el mayor éxito del grupo hasta la fecha.
Fue escrita por Mick Jones(guitarrista) y producida por Jones y Sadkin Alex , "I Want to Know What Love Is" fue el primer sencillo del álbum titulado Agent Provocateur .
Los coros que se escuchan y que dan profundidad a la canción estuvieron a cargo de una Iglesia de New Jersey... cuyos integrantes aparecen en el vídeo que adjunto.

Existe un director de cine de calidad casi irreal. Responde al nombre de Michael Mann. Antes de dedicarse al cine, Michael fue productor ejecutivo y director de algunos episodios de la serie Miami Vice. En ella, algo que destacó con gran notoriedad fue la calidad de su banda sonora. La manera en la que este director funde música e imagen, ha sentado cátedra entre los estudiantes de cine. La canción fue utilizada en el episodio 16 de Miami Vice en la primera temporada, titulado "Rites of Passage", el 8 de febrero de 1985. 
Miami Vice es conocida por su innovador uso de la música, especialmente de los éxitos pop y rock de los años 1980 y la genial, sintetizada e instrumental música de Jan Hammer. Mientras que otras series utilizaban música compuesta expresamente para la serie, Miami Vice gastaba alrededor de 10.000 dólares por episodio para conseguir los derechos de las grabaciones originales.
Tener una canción sonando en Miami Vice era un impulso para la carrera de los músicos y de los sellos discográficos. De hecho, algunos periódicos, como USA Today, avanzaban a los lectores las canciones que aparecerían en los episodios de esa semana. Entre las bandas y músicos más importantes que contribuyeron con su música a la serie se incluyen, Meat Loaf, Phil Collins,Bryan Adams, Tina Turner, Peter Gabriel, ZZ Top, Dire Straits, Depeche Mode, Iron Maiden, The Alan Parsons Project , U2, Frankie Goes to Hollywood, The Police, Laura Branigan, Suicidal Tendencies, Billy Idol... Algunos artistas incluso aparecieron como actores invitados en los episodios, tal es el caso de Phil Collins o Miles Davis.
El "pelotazo" que pegó Foreigner con este tema, sirve para escenificar los problemas que Sony Crockett (Don Johnson) sufría con su pareja en la ficción (Helena Bohan-Carter), una doctora aficionada al consumo de estupefacientes.

Tanta es la historia de esta canción que incluso pasados los años se convirtió en parte del videojuego (Grand Theft Auto: Vice City Historias) en forma de banda sonora en 2006, y fue la música de fondo para primer tráiler del juego. Y ADEMÁS HA SIDO VERSIONADA POR MULTITUD DE ARTISTAS, PERO... SINCERAMENTE ME QUEDO CON LA ORIGINAL.
Que la disfruten!!!

I WANT TO KNOW WHAT LOVE IS

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REFLECTIONS OF MY LIFE - THE MARMALADE

reflections of my life - the marmalade  1969

"Reflections of my life" es una canción de la banda The Marmalade escrita por el guitarrista Junior Campbell y el cantante Dean Ford. Fue lanzado en 1969 rapidamente se convirtió en su gran exito que los llevó a vender millones de copias y llegar al puesto 10 en el Billboard de los Estados Unidos.

Es una inquietante e inteligente canción elaborada bajo una armonia atemporal y que supuestamente fue escrita en contra de la guerra de Vietnam. Es por ello que esta pieza musical se ha convertido en un clasico en todo el mundo. Por su belleza musical que fue numero 3 en el Reino Unido a pesar de que la banda escosesa tenia mucha mas fama en los Estados Unidos.
Otra de las características de esta balada es la interpretación del cantante Dean Ford muy respaldada por las fuertes armonías que incluyen una "cinta inversa" en el solo de guitarra de Campbell.

Ademas de eso, "Reflections of my Life" llegó a vender mas de dos millones de unidades. En 1998, los críticos musicales le otorgaron una mención especial por la IMC por ser reproducida mas de un millón de veces en la radios Estadounidenses. solamente.

Esta pista fue parte de diversas bandas sonoras de peliculas, como la historica Good Friday Peace Campaign hecha en Irlanda del Norte en 1998, y en Inside Deep Throat, la película biografía de Linda Lovelace.
En octubre de 2008 se utilizó en la banda sonora de un episodio de la versión americana de Life on Mars, que se ocupa en la parte de la muerte de un veterano de guerra de Vietnam que es gay.

La letra de esta canción tambien aparece con frecuencia en el libro "Flying Through Midnight" escrita por John T Halliday. Dicho libro es un relato de la guerra de Vietnam y se señala que es una de las canciones que los pilotos utilizan para relajarse después de las difíciles misiones de guerra.
Que la disfruten!!!

REFLECTIONS OF MY LIFE

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STAIRWAY TO HEAVEN - LED ZEPPELIN - 1971

stairway to heaven - led zeppelin 1971

john Bonham , en los Basing Studios, que eran de Island Records, donde grababa Bob Marley.

SEGÚN EL DIARIO DE GRABACIONES DE LOS ESTUDIOS BASING STREET DE LONDRES, LED ZEPPELIN EMPEZÓ A GRABAR UNA BASE DE ‘STAIRWAY TO HEAVEN', EL 5 DE DICIEMBRE DEL 1970, ONCE MESES ANTES DE QUE SE PUBLICARA EN EL CUARTO ÁLBUM DE LED ZEPPELIN.
Peter Green, el líder de Fleetwood Mac en aquellos días, cuando todavía era un grupo de blues, le había comentado a Jimmy Page que se trataba de un nuevo estudio con muchas prestaciones. Lo había inaugurado Chris Blackwell, el dueño de Island Records.

Page aceptó el reto, porque en aquellos días estaba impresionado por esa mini-sinfonía de rock que Peter Green había grabado en el álbum ‘Then play on', de los Mac del principio. Una pequeña obra maestra con alternativas acústicas, cambio de tiempo, blues y puro rock eléctrico al final. En total, ocho minutos y 45 segundos de duración. Es decir, lo que sería la futura ‘Stairway to Heaven' en minutaje y personalidad.

Para Page, Green era, probablemente, el guitarrista con más técnica gracias al legado de John Mayall. Green fue humilde con Page y le confesó que jamás hubiera podido realizar ‘Oh, Well' sin haber escuchado antes el sensacional ‘Dazed and confused' del primer disco del Zepelín.
Jimmy Page empezó a componer los acordes y las tres partes significativas de ‘Stairway to heaven' en el pequeño estudio de ocho pistas de su casa-barco de Pangbourne, cerca de Reading. Cuando llegó a los Basing Studios sólo Robert Plant conocía parte de la canción, ya que semanas antes, en el verano del año 1970, se habían ido juntos unas cuantas semanas para componer canciones para el decisivo cuarto álbum de Led Zeppelin, ya que las ventas y las críticas no habían sido positivas con el tercero .

La chica compra una escalera

Es más que probable que Robert Plant esbozara ya parte de la letra, es decir, las frases de ‘There's a lady who's sure all that glitters is gold / and she's buying a stairway to heaven” (“Hay una dama que está segura de que todo lo que reluce es oro y está comprando una escalera al cielo”) en la vieja casa de sus padres, donde pasaba sus vacaciones juveniles, en una construcción labriega en Gales, en Bron-yr-aur.

Tanto Page como Plant se llevaron toda clase de discos y libros para inspirarse. Muchas de las frases incongruentes de ‘Stairway to heaven' nacieron de un libro de Lewis Spence, un estudioso escocés del folklore británico, llamado ‘The Magic Arts in Celtic Britain'. El libro se lo había prestado Jimmy Page, que seguía con su familiar amor y devoción por el ocultismo y los evangelios de Aleister Crowley, el padre espiritual del ocultismo en la Gran Bretaña. Ese libro estaba en el índice de los libros recomendados por el autor de ‘The Equinox', igual que el nombre de la librería que Page acababa de abrir en Holland Street, en Kensington.

Jimmy Page recuerda que cuando les esbozó el tema a John Paul Jones y, sobre todo, a John Bonham, el batería, se quedaron perplejos. Reconocían las dificultades de las tres partes diferentes con diferencia de tiempo, espacio y melodía. Pero Page les hizo comprender que era una maravillosa canción con truco. Es decir, empezar con un estribillo seguido de una estrofa y acabar con un estribillo frenético, muy a lo ‘heavy metal', termino que ya había aparecido por vez primera en el álbum ‘Becks Ola', de su viejo amigo y compañero Jeff Beck, en los Yardbirds.

Las primeras sesiones de grabación de ‘Stairway to heaven' no funcionaron muy bien en los estudios de Basing Street. El Zeppelin compartía las horas de grabación con el grupo Jethro Tull, que en aquellos días grababa su obra maestra ‘Agualung'. Plant y compañía no se sentían cómodos. Así que Jimmy Page volvió a consultar a Peter Green y este les recomendó volver a Headley Grange, la tranquila casa victoriana que había sido utilizada alguna vez como orfanato. La segunda sección de la enorme casa era utilizada por muchos grupos como un sensacional local de ensayo. Aceptada la nueva oferta de Green, dieron por terminadas las sesiones en el estudio de la Island. Y decidieron que volverían a trabajar en enero, tras una tranquilas Navidades… No fue una gran idea del todo a a Headley Grange, porque en la casa hacía mucho frío. Jimmy Page tenía su habitación en el piso alto de la estancia. Aún no sabe cómo se libró de una bronquitis o una neumonía.

la casa del frío

A mediados del mes de enero de 1971, Andy Johns, el hermano del gran Glyn Johns, el hacedor y mago del sonido de los dos primeros álbumes de Led Zeppelin, llamó a la oficina de los Rolling Stones y pudo alquilar el famoso estudio móvil de los Rolling Stones. Lo aparcaron, finalmente, a la puerta de la famosa casa. No era muy agradable grabar con la banda en el salón de mansión, muertos de frío, comunicados con Johns sólo por un circuito cutre, tecnología de aquellos días, de cámara de televisión y micrófonos.

A bordo del camión-estudio de los Stones estaba el gran Ian Stewart, pianista, a veces llamado el sexto rolling stone. Tal como le gustaba a Keith Richards, Stewart aportó con su sensacional técnica a lo Johnnie Johnson, el pianista e inventor del sonido Chuck Berry, una versión muy personal de ‘It's been a long time', que durante las sesiones de grabación se convertiría en ‘Rock and Roll', una obra maestra que se incluyó en el cuarto álbum que estaban grabando.
Volver a ‘Stairway to heaven', que en aquellos días llamaban “the long one” (la larga) supuso un pequeño trauma para todos. Page y John Paul Jones arreglaron los acordes, trataron de reunir el complicado ‘puzzle' musical y lograron unir con inteligencia las tres partes. Pero no muchas tomas después se enfrentaron con el problema de que hasta Bonzo Bohan tenía problemas con el tempo de la canción, porque siempre le pillaba a contrapié en en el momento que pasaba de la parte de las 12 cuerdas de Jimmy hasta el solo, el maravilloso solo de ‘Stairway to heaven'. Jimmy fue prudente. Respetaba tanto a Bonzo que no le dijo nada de su ‘tempo' hasta que el batería se dio cuenta de su problema y se lo confirmó tras varias pasadas de cinta a Jimmy: “Siempre tienes razón, bastardo”.

El bastardo Jimmy

Pero el bastardo Jimmy Page iba a sufrir tres horas de penitencia y sufrimiento porque no logró en ese tiempo un sólo sobresaliente para el tema. Absolutamente nada que le gustara de verdad. Jimmy cogió el toro por los cuernos y decidió volver a Londres, a los estudio Basing Street para grabar el puñetero solo.

Cambió de estrategia. Renunció a su querida Gibson Les Paul y recurrió a la Fender Telecaster que le había regalado su amigo Jeff Beck. Además, le dijo a Johns que no necesitaba los auriculares para grabar. Prefirió oír el sonido directo y caliente de su viejo amplificador Supro en directo. Page hizo tres solos maravillosos aquella noche . Al final, eligió el primero de todos.

No hay acuerdo histórico de cómo Robert Plant terminó la letra de ‘Stairway to heaven' poco antes de cantarla, al parecer, en sólo dos tomas. Hay versiones que dicen que ya la llevaba medio terminada el día de la grabación. La versión que se ajusta más a la realidad es que con el frío que hacía en la mansión, como cuenta Richard Cole, Plant terminó la letra apoyando su espalda en el radiador. Plant ha dicho que siempre tuvo dudas de que fuera una buena letra. Siempre ha tenido con la una relación de amor-odio. Incluso llamaba a “Stairway to haven” su “canción de boda” por su inmaculado sentido cursi. Además, Plant siempre ha preferido ‘Kashmir” como la mejor canción de los Zeppelin.

En la primavera de 1971, ‘Stairway to heaven' entró en la mesa de mezclas del divino George Chkiantzen, en los estudios Sunset Sound, en el Sunset Boulevard de Los Ángeles. George había sido el ingeniero inglés que había llevado a los altares al sonido de Jimi Hendrix, sobre todo en el segundo disco, ‘Axis: bold as love'. Jimmy Page se quedó muy satisfecho de la primera mezcla.

Pero cuando regresó a Londres, ya no le gustaba tanto. Le parecía excesivamente clínica. Muy limpia, con todos los elementos bien diferenciados, pero sin alma. Hizo otras dos mezclas de ‘Stairway to heaven'. La tercera fue la definitiva, la que apareció por fin en noviembre del año 1971, casi un año después de haber sido engendrada. Con la re-edición y nueva ‘pasterización' de los discos de Led Zeppelin, la mezcla de los Sunset Sounds se ha incluido como uno más de los ‘bonus tracks'. Es otra versión de ‘Stairway' que también me gusta.

Siempre escondida

‘Stairway to heaven' no apareció como single de Led Zeppelin. Se eligió ‘Black dock', la canción que Plant había dedicado al labrador negro que les acompañaba en las sesiones de Headley Grange. El propio Peter Grant, el enorme mánager de Led Zeppelin, se negó a que jamás apareciera como single. Prefería que compraran el álbum. Eran aquellos años iniciales en que los temas largos de los discos, de los discos de vinilo de 33 revoluciones por minuto, empezaban a sonar en las emisoras de radio norteamericanas.

Hasta el mes pasado, ‘Stairway to heaven' conserva el récord absoluto de ser el tema que más ha sonado en la historia de la radio .Sólo en los Estados Unidos se ha escuchado más de cuatro millones de veces. Y eso a pesar de tener una duración de ocho minutos y dos segundos.

En mayo del año pasado, Mark Andes, el bajista del grupo Spirit, y Francis Alexander Maloify , abogado del líder del grupo, el fallecido Randy California, presentaron en la Corte de Los Angeles una demanda por plagio de ‘Stairway to Heaven', que sería una copia de su tema instrumental ‘Taurus', publicado en el primer álbum del grupo de Los Ángeles. Todavía no se ha resuelto el caso. Los abogados de Led Zeppelin aducen que todos los miembros de Spirit están sin blanca. Sólo necesitan dinero. Saben también que ‘Stairway to heaven' ha generado hasta la fecha 550 millones de dólares . Quieren un pellizco de todo ese dinero.

El álbum de Spirit donde aparecía “Taurus”

Estoy seguro de que Jimmy Page, una auténtica esponja, un copión de guante blanco de cualquier instante feliz en la música, se llevó el primer álbum de Spirit a su ‘boathouse ‘ de Reading. A Jimmy siempre le gustó la música de Randy California, la música de Spirit.

Led Zeppelin fueron teloneros de los Spirit en su primera gira americana. Incluso tocaron en directo ‘I got a line on you', mi canción favorita de los Spirit. Es cierto que los arpegios y la melodía del instrumental ‘Taurus' de Spirit recuerda múchísimo a ‘Stairway to heaven', pero los “compases copiados” son una minucia comparados con toda la estructura de la canción.

Tiendo a pensar que ‘Stairway to heaven' es un ejercicio de imaginación con momentos de copia y remiendo de los trucos del maravilloso guitarrista inglés Davy Graham, el inventor del ‘picking style' inglés a la guitarra. Hay una versión de Davy del clásico “Cry me a river”, que en su arreglo y desarrollo me recuerda una enormidad a ‘Stairway to heaven'. Pero de ahí a hablar de plagio hay todo un mundo.

Lez Zeppelin tocó la gloria, el cielo de la música con ‘Stairway to heaven'. Como los Beatles con ‘A day in the life', Queen con ‘Bohemian rapsody' y, desde luego, Fleetwood Mac con ‘Oh Well'. Momentos milagrosos en la música.

Como canta Robert Plant en la histórica canción, “and as we wind on down the road, our shadows taller than our soul”, (“Y mientras nosotros seguimos bajando por el camino, nuestras sombras son más grandes que nuestras almas”).
Que la disfruten!!!

STAIRWAY TO HEAVEN

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