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PULSA SOBRE LA IMAGEN PARA ESCUCHAR UNA SELECCION DE VIDEOS DE MI CANAL DE YOUTUBE
ESTE ES UNO DE ESOS CANTANTES QUE SI SON FÁCILES DE RECORDAR POR SUS CANCIONES, SU ASPECTO JUVENIL Y SU VOZ CON UN SONIDO ESPECIAL, QUE LO HACE MUY DIFERENCIADO Y ASIMILABLE AL ESCUCHARLO.
Leo Gerry Sayer, casi geminiano del 21 de mayo de 1948, nació en Shoreham-by-Sea, Sussex, GRAN Bretaña.
Luego de participar en el coro parroquial y acudir durante un tiempo a una escuela de arte y diseño, interpreta música comercial, la hoy llamada pop.
Por aquel entonces su representante y productor era nada más y nada menos que Adam Faith.
Debuta con el single Why is everybody going home, su LP debut Silverbird (1974), llegó al número 2 en Gran Bretaña, co-producido por Faith y Dave Courtney, y la colaboración de Russ Ballard.
Su cuarto LP, Just a boy (1974), fue el último disco en el cual el autor de la música de sus temas, Dave Courtney, colaboraría con Sayer.
Su relación era mala y decidieron romper. A partir de ahora Frank Farell firmaría sus canciones.
Another Year (1975), el octavo fue co-producido por Adam Faith y Russ Ballard.
1976 fue el año más importante de la carrera discográfica de Leo Sayer. Ese año apareció Endless Flight (1976), producido por Richard Perry, contenía hits como When I need you y su tema más popular, You make me feel like dancing.
El año 1978 seria el año en que su carrera tomaría una nueva dirección. Luego de un Grandes Éxitos sus ventas disminuyeron y a mediados de los años 80 luego de un par de discos poco aceptados, Leo Sayer dejaría de grabar.
Su estilo de voz (falsete) lo caracterizo.
Estaban asomando los 80's, y la música disco haría una pausa, pero esto no logro apagar ni su carisma, ni sus hermosas canciones.
Espero que Uds. también puedan viajar en el tiempo con el como yo. HACER UNA LISTA CON LAS MEJORES CANCIONES DE UN GRUPO ES TAREA HARTO COMPLICADA, PORQUE CADA PERSONA SUELE TENER SUS PROPIAS PREFERENCIAS QUE NORMALMENTE NO SUELEN ESTAR VINCULADAS A LAS PECULIARIDADES DE LA CANCIÓN EN PARTICULAR, SINO MÁS BIEN A CIERTOS MOMENTOS VIVIDOS CON UNA CANCIÓN DETERMINADA. TENIENDO ESE DATO EN CUENTA, VOY INTENTAR MARCAR ALGUNOS DE MIS TEMAS FAVORITOS DE LEO SAYER a sabiendas que se quedan muchas por fuera ahÍ DEJO ESTA PEQUEÑA SELECCIÓN, QUE DESEO SEA DE VUESTRO AGRADO. A MI, PARTICULARMENTE ESTAS SON LAS CANCIONES QUE ME GUSTAN DE ÉL, AUNQUE EN ESPECIAL LA DE "ORCHAD ROAD" Y "MORE THAN I CAN SAY" QUE ES SU versión del clásico de los Crickets
"All by Myself" es una canción del cantante y compositor estadounidense Eric Carmen, que fue publicada como single en Diciembre del año 1975 y que además está incluida en el disco debut homónimo de este artista oriundo de Cleveland.
La historia de esta famosa canción empieza a mediados del año 1975, cuando Carmen se encontraba en su habitación intentando escribir una balada. Acordes tras acordes, acompañadas de varias frases que iban directo al basurero, eran la rutina que ya llevaba casi dos meses el compositor con el fin de llegar a la canción en su forma perfecta, y esa tarea no siempre puede resultar simple.
Pero en esa ocasión, y para buscar algo de inspiración, Carmen decidió poner un disco del "Concierto para piano n.º 2", una obra en Do Menor escrita por el pianista y director de orquesta ruso Serguéi Rajmáninov en 1901, y tras escucharla de manera atenta, el músico no tuvo ningún temor ni vergüenza en tomar (en calcar!!) algunos acordes para acompañar los primeros versos. Esto le traería problemas meses después tras creer que la música de este pianista era de dominio publico.
Tras lograr escribir la música para los primeros versos, el siguiente paso que se le venía en el camino a carmen era encontrar un buen coro. Y tras varios intentos, el músico decidió utilizar acordes parecidos a una de las canciones que publicó con los Raspberries. Se trataba de "Let's Pretend", una canción que el mismísimo Carmen ha declarado que contiene una melodía agradable y que por varios motivos no llegó tan lejos como se pensaba a la hora de grabarla. Carmen no lo pensó dos veces, y tomó algunos acordes de esta "rola" y logró dar con ese coro impresionante y a la vez inolvidable, que hizo de su canción un clásico eterno.
Sobre la letra de la canción, se puede mencionar que al igual que varias de las otras piezas del disco debut de Carmen, esta contiene guiños autobiográficos y reflexiones sobre la vida solitaria y sobre el futuro, basándose en en compromiso y la responsabilidad para no volver a cometer los errores de un pasado donde lo tuvo todo pero jamás lo disfrutó de buena manera. "Si entramos a una tienda de discos y vemos un disco que se titula "All By Myself " de inmediato la asociamos a nuestras vivencias, ya que es una emoción que todos hemos sentido en algun momento de nuestras vidas. Es una canción que directamente la corazón. La letra es simple, pero a la vez dramática. A veces mis melodías son dramáticas y cuando contienen una letra dramática uno llega a pensar que sólo es una exageración" comentaría Carmen en una entrevista con su sitio web Oficial.
Además, sobre la triste temática que transmite la canción, Carmen declaraba años después que "no existe la misma cantidad de combustible para lograr ser feliz como para poder ser un miserable. Ser miserable es un gran catalizador para escribir canciones, y para mí, es muy sorprendente la cantidad de obras maestras que logró crear Mozart en un periodo en el que se encontraba muy feliz. En esos momentos su música también era feliz, y lo reflejaba de manera perfecta. Pero no me puedo imaginar a Rajmáninov feliz cuando estaba escribiendo el "Concierto para piano N°2" , y creo que la angustia de las melodías salen de la misma forma."
"All By Myself" fue publicada en Diciembre del año 1975 y llegó a ser un éxito rotundo, y eso se vio reflejado cuando el 13de marzo de 1976 la canción llegaba al segundo puesto del Billboard Hot 100 y a la casilla #3 en Canadá. Un mes después el single fue certificado por la RIAA como disco de Oro tras vender un millón de copias.
Pero eso no era todo, ya que en el Reino Unido la canción también fue un hit (su único hit en esas tierras!!) llegando al puesto #12 en 1976 y a ser muy aplaudida por la crítica e imitada por varios artistas. Sobre esto ultimo, fueron muchos los artistas que publicaron una que otra versión de este clásico de Carmen. Entre la tropa de artistas que cantaron esta canción podemos mencionar a Frank Sinatra (que la publicó en 1976), Tom Jones (tomada de su concierto en las Vegas, en 1980), Sheryl Crow (que la publicó como single en 1994) y la cantante del Titanic Celine Dion, cuya versión superó en premios y ventas a la origina, llegando al puesto #6 del Billboard y ayudando a la arcas monetarias de Carmen.
Para finalizar, la leyenda cuenta que en 1976, y tras publicar la canción y disfrutar de la fama, Carmen tuvo que pedir disculpas publicas a los herederos de Rajmáninov por robarle uno que otro acorde del famoso concierto para Piano. La excusa de Carmen era que creía que la música del pianista era de dominio público. Tras varias reuniones con los herederos, el músico llegó a un acuerdo económico para frenar los paseos a tribunales y los dimes y diretes de la prensa en el momento exacto de su fama mundial.
Que la disfruten!!!
BON JOVI ES UNA BANDA ESTADOUNIDENSE DE HARD ROCK QUE ALCANZÓ LA FAMA MUNDIAL GRACIAS A LOS ÉXITOS INTERNACIONALES: "LIVIN´ ON A PRAYER", "YOU GIVE LOVE A BAD NAME", "BAD MEDICINE" Y "I´LL BE THERE FOR YOU",ETC... A MEDIADOS DE LOS 80'S; FUE FORMADA EN NEW JERSEY, EN 1983 POR JON BON JOVI (SU VERDADERO NOMBRE ES JOHN FRANCIS BONGIOVI). CON RICHIE SAMBORA EN LA GUITARRA, DAVID BRYAN EN LOS TECLADOS, TICO TORRES (HECTOR TORRES) COMO BATERISTA Y ALEC JOHN SUCH COMO BAJISTA (SUSTITUIDO EN 1995 POR HUGH MCDONALD), ESTA BANDA ALCANZÓ GRAN ÉXITO Y ACEPTACIÓN EN LAS DÉCADAS DE LOS 80'S Y 90'S. RESURGIÓ EN EL AÑO 2000 CON EL ÉXITO "IT'S MY LIFE", Y EN LA ACTUALIDAD ESTÁN PROMOCIONANDO "LOST HIGHWAY", DISCO QUE OCUPA EL NO.1 EN ÁLBUMS EN EL LISTADO DE BILLBOARD, SIENDO UN HECHO HISTÓRICO PARA LA BANDA , QUE YA CUENTA CON 23 AÑOS DE CARRERA Y ALREDEDOR DE 120 MILLONES DE DISCOS VENDIDOS EN TODO EL MUNDO.
Historia: Formación y debut (1978-1985)
Jon Bon Jovi es hijo de Frank Bongiovi (famoso peluquero estadounidense fundador de la franquicia Jon Anthony) y de Carol Sharkey (ex-miss) y anecdóticamente, cuando Jon era un niño, su madre intentó introducirlo al mundo de la música, pero a él no le interesaba y su madre terminó desistiendo. Años más tarde en la adolescencia, Jon acudió a un concierto de rock & roll y fue en ese momento cuando tuvo claro lo que quería ser, "una estrella de rock". (Tuvo sus comienzos en la peluquería con su padre) después de un tiempo tocando en bares y limpiando pisos de estudios de grabación.
Jon pasó casi toda su adolescencia escapándose del colegio para tocar rock & roll, generalmente con su amigo David Rashbaum (David Bryan) con quien formó la banda Atlantic City Expressway que no poseía canciones propias pero que alcanzó mucho éxito en los clubes de la zona. Luego cambiarían el nombre por "The Rest" en 1980. Una noche, cuando se disponen a abrir un concierto para Southside Johnny y Billy Squirer en el Ritz de Manhattan, fue a verlos su primo Tony Bongiovi, un famoso ingeniero y productor de grupos como The Ramones y Talking Heads entre otros, y que era dueño de un famoso estudio de grabación en el que Jon acostumbraba a pasar largas horas ayudando con cuanta tarea se le pusiera al frente. Tony le preguntó a Jon cómo iban las cosas. Este le contestó: "Odio esta banda, odio esta música, te odio a ti, pero si puedes ayudarnos, llámame por teléfono". Días más tarde, Southside Johnny y Billy Squirer producían el primer demo de "The Rest". Jon contó después que eso no era lo que él quería y se fue a trabajar con su primo a los estudios de grabación Power Station en New York (Jon empezó desde abajo del todo, en los estudios de su primo Tony Bongiovi).
A finales de los 70's compartió el estudio con Steven Tyler del grupo Aerosmith, David Bowie y Little Steven, grabó algunas canciones (las cuales recopiló en un álbum The Power Station Years), "No importa quién estuviera grabando en el estudio, nunca les pedí que me dejaran quedarme en la sesión, pero de cuando en cuando pegaba la hebra con ellos y me dejaban quedarme. Steven Tyler me dejó estar por allí y verle cantar cuando Aeromisth estaba trabajando en "Rock in a hard place" es algo que nunca olvidaré", declaró Jon. También conoció grandes grupos como The Rolling Stones y Queen; estuvo haciendo presentaciones locales, siendo telonero de otras bandas.
En 1981 Jon Bon Jovi grabó por primera vez, con la canción "R2-D2 We Wish You a Merry Christmas" en el álbum especial de Navidad "Christmas in the Stars" producido por Tony Bongiovi en la Power Station, un año más tarde terminaría la edición del recopilatorio The Power Station Years.
En 1983 Chip Hobart, director de la estación WAPP FM, lanzó un disco donde se recopilaba una canción de cada artista nuevo y Jon aprovechó para llevar su single "Runaway" (canción que él escribió en 1980 y que grabó ese año cuando el estudio estaba vacío) y fue la canción que más destacó de ese álbum. Debido a la gran acogida le pidieron hacer un concierto, pero necesitaba una banda propia, entonces Polygram, quien se había fijado en Jon, le hace un gran contrato dándole la libertad de contratar a los músicos que él quisiera. Jon reclutó a David Bryan, con quien ya habia tocado anteriormente, el bajista Alec John Such, miembro de The Message, quien llamó a Tico Torres para que se instalara en la bateria. Luego se uniría Richie Sambora quien después de ver a la banda en un concierto le dijo a Jon que él seria su nuevo guitarrista. Es así como a inicios de enero de 1984 sale a la venta su primer disco homónimo (Bon Jovi), con el ya mencionado single "Runaway", que llega al top 40, sin olvidar otros temas como "She Don't Know Me", "Love Lies" y "Roulette".
En 1985 alcanzan el disco de Oro con el álbum 7800 Degrees Fahrenheit del cual se lanzaron los singles "In And Out Of Love", "Silent Night" y "Only Lonely", canción que escribió Jon poco después de romper con su novia, cuando le dio a elegir entre la música y ella, ya se sabe lo que él escogió. El disco alcanzó traer un cierto interés pero no el éxito que deseaban. El interés se manifestaba debido a la presencia de baladas, precisamente era el territorio de las baladas en el que sus detractores hacen hincapié a la hora de mencionar su trabajo, dándole una imagen falsa y blanda de lo que es el Heavy Metal. Puesto que, en esta época, el público del género demandaba un sonido y una imagen que reivindicara posturas de rebeldía. Solo dos grupos habían logrado romper las barreras entre pesados y suaves: Def Leppard y precisamente Bon Jovi. Luego la banda participó en el festival "Monsters Of Rock", ese mismo año, pero no fue suficiente para dar el salto a la fama; no pudieron asistir al Live Aid. Entre muchas otras cosas, aquel año Jon Bon Jovi conoció a Cinderella e hicieron una gira juntos por todo el país.
Los éxitos de Slippery when wet y New Jersey (1986-1989)
Debido a que su último álbum alcanzó un éxito moderado, se pusieron a trabajar en el lanzamiento de su decisivo tercer álbum Slippery When Wet en 1986, que no solo significó su lanzamiento al estrellato, sino que fue uno de los álbumes más vendidos de 1986 y de la década de los 80's. Para este lanzamiento contaron con la ayuda del reputado productor y compositor Desmond Child. El disco llegaría a vender más de 12 millones de copias en EE.UU y los singles "You Give Love A Bad Name" y "Livin' On A Prayer", fueron número uno en Estados unidos, "Livin' On A Prayer" estuvo 4 semanas en el primer lugar de la revista Billboard, el álbum estuvo en el top 5 durante 38 semanas y más de 46 semanas en el top 10; resaltando también "Never Say Goodbye", "Raise Your Hands", "Wild In The Streets" y la inolvidable "Wanted Dead Or Alive" (canción que se convirtió en la insignia de la banda).
En octubre el disco llega al Nº1 en USA y así siguió durante 8 semanas. El éxito fue total: diez veces platino en Canadá, dos en Reino Unido, un oro en Alemania, España, Italia, Finlandia, Suecia y Japón. La fama llegó a tal punto que Jon firmaba con otro nombre en los hoteles donde se alojaban para pasar desapercibido. En total en el mundo Slippery When Wet lleva vendiendo más de 26 millones de copias. En 1987, participa en el show de "Donnington '87" junto a Bruce Dickinson vocalista de Iron Maiden , Paul Stanley vocalista de KISS, y Dee Snider vocalista de Twisted Sister
En 1988, aparece el exitoso New Jersey, cuyas ventas a nivel mundial superan los 16 millones de copias vendidas, donde la banda logra cinco singles exitosos. Originalmente se había pensado en un álbum doble, pero la idea fue descartada por la compañía discográfica. De todas formas, dos de sus singles llegan al número 1: "Bad Medicine" y "I'll Be There For You". También "Born To Be My Baby", "Lay Your Hands On Me" y "Living In Sin" entran al top 10. Durante esta época fueron teloneados por grupos como Cinderella, Vixen, entre otros.
En 1989 Jon Bon Jovi junto a Richie Sambora en una presentación interpretaron la canción Wanted Dead or Alive, en vivo, pero armados solo de dos guitarras acústicas, en los MTV Video Music Awards, esta presentación fascinó a los fans y dio la iniciativa a MTV para crear un especial acústico llamado MTV Unplugged, el cual tuvo mucha acogida en los 90's.
Posteriormente, cuando salió el video de "Living In Sin", la banda recibió algunas críticas en MTV por su contenido explícito, por lo que, a pedido de la cadena, la banda tuvo que reeditarlo. La gira de New Jersey fue tan larga (237 conciertos) que acabó deteriorando fisicamente a los miembros y a mitad de dicha gira, Jon se casa con Dorothea Hurley (a quien conoció cuando estudiaba).
Cabe mencionar que en el año 90 se editó en Chile el disco "Bon Jovi en Chile", que contiene -además de 12 temas- una versión nunca antes publicada de su tema "Wanted dead or alive", que perenniza la visita del grupo a ese país como parte de su gira "The Jersey syndicate tour". Dicho disco fue editado por la disquera Vértigo y se distribuyó únicamente en el mercado chileno por tiempo limitado y no forma parte de la discografía oficial de la banda.
La entrada a los 90's
Los problemas en las posteriores giras debidos a la tensión y al desgaste físico ocasionaron que la banda hiciera un paréntesis. Su inactividad a finales de 1989 y principios de los 90's llevó a pensar en la disolución de la banda. Dicha idea se vio alimentada cuando en 1990 Jon Bon Jovi, en calidad de solista, editó su segundo álbum, Blaze of Glory, que constituyó la banda sonora de la película Pistolas Jóvenes II. El director de dicho film había solicitado a Jon que presentara "Wanted Dead or Alive", éxito de Slippery When Wet, como su respectivo soundtrack. Pero Jon, por su parte, tuvo una idea mejor: hizo un nuevo álbum con una temática del Oeste llamado Blaze of Glory. Su primer single Blaze of Glory sería como la segunda parte de Wanted Dead or Alive y fue postulado al Oscar en la categoría de "Mejor Canción de Película" y ganó un Globo de Oro como "Canción del Año". Otros éxitos del álbum fueron Billy Get your Guns, Dying Ain't Much of a Living y Miracle.
Mientras tanto Richie quiso probar como solista editando su primer álbum fuera de Bon Jovi, Stranger in this Town, el cual tuvo una acogida moderada.
Keep the faith,una renovación musical (1992-1993) No es sino hasta el año de 1992 que el quinteto se reintegró y lanzaron al mercado el álbum Keep The Faith con el que la banda experimentó un cambio musical, para estar acorde a los nuevos tiempos y mantenerse en buena brecha, lo que provocó muchas críticas. Éstas se incrementaron por el cambio radical de su apariencia.
Ante estas críticas Jon declaró: «En ocasiones pienso que es lo mejor que hemos hecho. "Keep the Faith" tiene un montón de temas excelentes; "I'll Sleep When I'm Dead", trata de una chica que baila sobre una mesa; "Blame it on the Love of Rock n' Roll", habla de cuando éramos jóvenes y decíamos "voy a tocar en el Madison Square Garden" algún día, y tus amigos te contestaban "sí, claro, por supuesto..."; "Keep the Faith" es un tema más serio y reconoce lo dura que es la década de los noventa. Refleja la decepción de la banda ante la indiferencia hacia los problemas y trata de dar un mensaje positivo en estos tiempos tan difíciles; "I Believe" tiene un diálogo muy serio: destruye el mito de la idolatría. "If I was your Mother" trata de un tipo que está obsesionado con la relación que tiene con su novia. Les garantizo que no es la parte dos o tres de Slippery o New Jersey. No son las mismas canciones, las mismas estructuras, pero hablamos de la misma banda».
Después de todo arrasan nuevamente y demuestran su buena música en canciones como Keep the Faith, "Bed Of Roses", "In these arms", "I'll Sleep When I'm Dead", "I Believe" y "Dry county" (además de la primera canción en español de la banda "Cama de Rosas"). El álbum logra vender 10 millones de copias a nivel mundial y con él se iniciaron por primera vez, tours en distintas partes de Latinoamérica.
Crossroad y These Days (1994-1996) En el año de 1994 se barajó la posibilidad de publicar un recopilatorio doble en directo, pero al final lanzaron al mercado el álbum recopilatorio Crossroad "14 classic grooves" que contiene además dos temas nuevos "Always" y "Someday I'll Be Saturday Night" con los cuales arrasaron nuevamente con las listas europeas y americanas. El álbum a la fecha ha vendido 25 millones de copias a nivel mundial. En el mismo año Alec John Such abandona la banda y fue sustituido por un viejo amigo, el bajista Hugh McDonald, el mismo que grabó junto con Jon y la banda The All Star Review su primer éxito "Runaway" en 1982.
En el año de 1995 lanzaron al mercado el álbum These Days que contiene temas más oscuros que en sus anteriores producciones, sobre todo las canciones "Hey God" y "Something To Believe In" que dieron mucho que hablar por el contenido de la letra. These Days fue un disco muy vendido en Europa, no así en Estados Unidos donde tuvo un éxito moderado. De este álbum se desprenden los sencillos "Hey god", "Something for the pain", "Hearts Breaking Even", "Damned", "These days", "This is ain't love song" ("Como Yo Nadie Te Ha Amado" en la versión en español) y la suave "Lie to me".
En junio de ese año , la banda toca en el mítico Wembley Stadium de Londres por primera vez con 3 noches seguidas a lleno total (23, 24 y 25 con 72,000 personas cada una), derrochando sus más grandes temas como "Livin´On A Prayer", "You Give Love A Bad Name", "Bad Medicine" y "Keep The Faith", así como los recientes hits del "These Days", y una que otra sorpresa como "Good Guys Don´t Always Wear White" en la primera noche, además de una espectacular presentación de Always. En esas noches se aprovechó para tocar unos cuantos temas del nuevo álbum que recién salía a la venta. La 3ra noche fue grabada y editada en DVD para quedar en la historia como Live From London, lamentablemente sólo recopilaron 11 temas de ese show que tuvo más de 20, dejándose de lado legendarias canciones como I'd die for you, Wild in the streets, Runaway, Bed of roses o la mítica Dry county, una pena.
Luego de la emisión de These Days cuando la banda aún no terminaba la gira de Crossroad y tras la salida de Alec, Jon manifestó:
"Nosotros hemos tenido álbumes enormes, como hemos tenido álbumes no tan enormes, con tal que yo estuviera contento con ellos no me importaba. Yo estoy muy contento de que el álbum de los mejores éxitos fue tan enorme; eso sí es un gran placer, pero lo que es importante es que a nosotros nos gustan las canciones y también al público que las escucha; These Days es la continuación de una aventura de la banda. Nadie sabe dónde terminará, pero yo sé que nosotros no estamos retrocediendo".
En 1996 continúa la gira mundial de These Days recorriendo casi toda Europa, América y Japón con llenos totales.
En estos tiempos Richie se casa con la actriz Heather Locklear; la esposa de David tuvo gemelos y Tico, quien era pintor y piloto, se casó con la modelo Eva Herzigova; por lo que la banda decide hacer un nuevo paréntesis, separándose después de su tour por Londres en 1996.
Nueva aventura en solitario (1997-1999)
En 1997 Jon Bon Jovi saca su tercer álbum como solista Destination Anywhere en donde realiza buenos temas en género Pop y Hard Pop, tales como "Janie, Don't take your Love to Town", "Naked", "Midnight in Chelsea", "Destination Anywhere", "Queen of New Orleans" y la canción en español "Miro a tu Ventana"; temas escritos en distintas partes del mundo. Richie Sambora, por su parte, edita Undiscovered Soul su segundo álbum como solista de donde destacan "Hard Times Come Easy" y "Made in America". David Bryan también edita en este año su primer disco en solitario llamado Lunar Eclipse con canciones instrumentales (todas a piano y creadas por él), más el éxito del 92 "In These Arms" en versión cantada por él.
En estos años Jon se convirtió en modelo y artista de cine participando en películas como "Little City", "Moonlight and Valentino" y "Destination Anywhere" en donde comparte el protagonismo con la famosa actriz Demi Moore.
El 31 de enero de 1998 hubo un concierto llamado "Jon Bon Jovi and Friends Come Together" en homenaje a Patrick King quien fue asesinado el 20 de Noviembre de 1997. Luego Jon participa del evento humanitario "Pavarotti and Friends" donde interpreta junto con Luciano Pavarotti la canción "Let it Rain".
En 1999 sale un video "Real Life" en donde aparece toda la banda junta (a excepción de David Bryan quien había sufrido un accidente donde casi pierde su mano) como soundtrack de la película "Ed TV" y como aviso de que la banda regresaba nuevamente para seguir rompiendo en éxitos en todas partes.
Bon Jovi en el nuevo siglo
En el año 2000 lanzaron el esperado Crush, álbum que significó la reaparición de la banda, grabado en el estudio de Jon Bon Jovi y que fue uno de los discos más vendidos y escuchados de ese año con singles como It's my life, que consigue grandes ventas y se consolida como la canción del año en los premios VH1. También tienen buena aceptación los singles "Say Isn't So", "Thank You For Loving Me" y "One Wild Night", canción que se aprovecha para lanzar el primer disco en vivo del grupo en casi 20 años de carrera. La madurez compositiva del grupo aumenta con temas tan diferentes en su repertorio como Next 100 years, Two story town y Just Older. El álbum vendió más de 13 millones de copias a nivel mundial y ganó doble platino en Estados Unidos.
La banda toca por primera vez en el techo de un edificio en el programa "The Late Show with David Letterman", luego recibe las nominaciones al Grammy por "Mejor álbum de rock", "mejor interpretación de rock de grupo o dúo" por "It´s My Life". Ese mismo año Bon Jovi se lleva a casa el premio My VH-1 Award por "Mi Video Favorito" y realiza 2 conciertos con localidades agotadas en el Wembley Stadium de Londres, antes de que fuera derrumbado.
Desde entonces, han lanzado discos con singles de buena recepción en las radios. Como lo es el caso de One Wild Night del 2001, una recopilación de canciones grabadas de conciertos en vivo desde 1985 hasta ese año, donde demuestran a todo el público que no solo son buenos en estudio, sino también en vivo, y del cual se desprende el éxito: "One Wild Night", en su versión 2001. Este disco no gustó a algunos fans ya que en él se incluyeron temas como "I Don't Like Mondays" o "Rockin' In The Free World" olvidándose de clásicos como "Lay Your Hands On Me", "Born To Be My Baby" y "Always", y sobre todo, por el álbum reunía actuaciones en vivo de la banda a lo largo de su historia y no un concierto íntegro de la última gira como se esperaba. La banda realizó una gira de 54 shows por 15 países ante más de 2 millones de fanáticos.
En el 2002, lanzaron el disco Bounce, inspirado en las tragedias del 11 de Septiembre, fue un disco exitoso del que se despreden los sencillos: "Everyday","Misunderstood", "Undivided" y "All about Loving you". Un disco guitarrero y metalero pero que no llegó a enganchar masivamente como se esperaba en Europa, pero sí en América y Japón. También se desprenden temas buenos como Bounce, The distance y Hook me up. El álbum vendió aproximadamente 4 millones de copias y de nuevo supuso una gran gira mundial de gran éxito y donde la banda regaló en varias ciudades conciertos acústicos (Barcelona, Sydney...) previos a los conciertos.En esta gira por fin les toco pasar por España,donde llebaban desde 1995 sin aparecer.Realizaron dos actuaciones,una en Barcelona y otra en Madrid.Por el momento esa fué la ultima visita del grupo a este pais.
El 20 Aniversario de la banda (2003-2004)
En el 2003 sale a la venta This Left Feels Right, una antología de sus mejores éxitos pero con un estilo totalmente diferente y , además, en un formato casi acústico. En su lugar se pensaba realizar un disco acústico que se había grabado en Yokohama en el 2003 junto a una orquesta pero a la hora de mezclar las canciones pensaron que lo mejor era grabarlas todas de nuevo, pero con un giro a la izquierda. Una vez en el estudio la banda consideró que un álbum acústico en directo no aportaba nada significativo a Bon Jovi en aquel momento y que eso les motivó a coger sus éxitos y trabajar sobre ellos dándoles un nuevo punto de vista. Jon señaló:
«Creo que la mejor definición para este álbum es ecléctico, tú sabes, el título "Esta izquierda se siente derecha", este es lo que es nuestro nuevo álbum, un re-introducción a viejos amigos, un disco muy diferente, que a los fans les gustará mucho y que tentará a nueva gente que nunca escuchó a la banda antes a escucharnos».
El doble DVD que recoge el concierto en el Casino Borgata batió records de ventas en su primera semana.Sin embargo,el album no consiguió las metas esperadas;Jon en una entrevista realizada a principios del 2007,dió a conocer su disconformidad con este proyecto:
«Grabamos el disco de grandes exitos, y me sentia realmente artistico sobre ese nuevo disco,tu sabes (inaudible),y lo sacamos a la venta. fue un fracaso, un total fracaso. y los criticos dijeron, NO JUEGUEN CON NUESTROS RECUERDOS NI CON NUESTRAS MEMORIAS. Fue un golpe duro sobre mi cabeza como un martillo, fué un despertar para mi. Yo lo llamaba arte cuando en realidad no lo era. Los criticos me cuestionaban donde estaba el arte? si el verdadero arte estaba en los exitos originales, eso fué un critica creativa muy buena. Definitivamente no lo haria de nuevo (otro This left feels right)».
En el 2004, en agradecimiento a la gran cantidad de fans, sacan su Box Set llamado 100'000,000 Bon Jovi Fans Can't be Wrong, una colección de 4 CD's y un DVD con recopilación de 50 canciones inéditas en el que celebran sus 20 años y en el que cientos de fans tienen la posibilidad de escribir en el booklet. De él destacan "Why aren't you dead?", "The Radio Save My Life Tonight", "Good guys don't always wear white", la versión 2004 del soundtrack de la película Ed TV, "Real Life" y "Open all night". Algunas de las canciones que aquí se recogen son demos o versiones distintas (Temptation, Real Life, Someday I'll be saturday night...) de caras B o BSO.
Have a nice day y la gira mundial (2005-2006)
A comienzos del 2005 dan algunos conciertos en Philadelphia (Enero) y Las Vegas (Abril), es en este último en donde tocan la primera canción del nuevo álbum en el año, pero todos querían escuchar el tan esperado "Have A Nice Day", es hasta julio cuando en el concierto benéfico "Live 8" sintonizado en Mtv [1], donde finalmente la tocan completa, es ahí donde arranca la era del nuevo disco.
Finalmente sale Have A Nice Day del 2005, un disco que mantiene la frescura y el sonido de siempre pero que se dirije a un campo más amplio de público. En su semana de lanzamiento alcanzó el número 1 en ventas en Canadá, Alemania, Austria, Japón, Australia y en general en las ventas totales de Europa, llegó al número uno del chart europeo. En estados Unidos debutó en el número 2 del chart, siendo su mejor debut en toda su historia.
Bon Jovi en el Tour Europe 2006 Have A Nice Day ha vendido más de 5 millones de discos en todo el mundo.Con el han sacado 3 sencillos: "Have a nice day", "Welcome to wherever you are" [2] y "Who says you can't go home" cuya versión country con la vocalista de la banda Sugarland, Jennifer Nettles, ha tenido mucho éxito principalmente en Estados Unidos y ya ganó un premio de la Música Country. Además, es la primera canción country, desde una banda de rock, en la historia de la música, en lograr el número uno en los charts country de EEUU, todo un record para Bon Jovi. De este disco también se desprenden otros muy buenos temas como I Want to be Loved, Story of my life, I Am, Complicated y Unbreakable
La gira "Have a nice day Tour" [3] se convierte en un éxito mundial, haciendo de cada concierto un show diferente donde recuperan antiguos éxitos en directo. Esta gira desgraciadamente no pasa por España ni América. A pesar de algunos probemas familiares en las familias de David y Richie[4],por si no fuera poco para Richie,este se lesiona el brazo y ademas de todo esto recibe la terrible noticia de que su padre padece cancer de pulmon.La gira estuvo a punto de suspenderse por estos motivos,pues el guitarrista arrastro una gran depresión durante gran parte de la gira y ademas la lesion del brazo le impedia tocar adecuadamente.Aún asi,Richie no quiso dejar tirados a sus fans y continuó tocando como pudo y sacando fuerzas de flaqueza; algo que le honra especialmente.
A pesar de todo el Tour Europe "Have a Nice Day" acabo siendo todo un éxito de público, miles de fans de todas partes de Europa llenan todos los estadios del tour verano-2006. Inglaterra, Alemania, Irlanda, Suiza, Japón, Holanda, Escocia, además de Estados Unidos completan la gira.
El Tour terminó en New Jersey, en el Giants Stadium' con tres presentaciones con lleno total', el 18, 19 y 29 de julio del 2006, que como en anteriores giras se convirtieron en eventos inolvidables.
A la fecha, Bon Jovi ha vendido más de 125 millones de discos en todo el mundo, excluyendo los singles, detalle que habla muy bien de una de las mejores bandas de la historia del Rock.
El 14 de noviembre del 2006 se realizó la tercera ceremonia del UK Hall of Fame en donde la banda junto a Led Zeppelin, Rod Stewart, James Brown y Brian Wilson pasa a formar parte de las leyendas de la música al entrar en el Salón de la Fama. Se convierte en la banda más joven en formar parte de este selecto grupo.
Días después Bon Jovi fue nominado al GRAMMY 2007 por el Dueto Country: Who says you cant go home? con Jennifer Nettles (Sugarland), galardón que se llevaron, lo que transforma a Bon Jovi en la primera banda de Rock en ganar premios en esa categoría y permanecer primero en los rankings Country.
Nuevo Álbum: Lost Highway (2007)
"Lost Highway" se lanzó el pasado 19 de Junio y la banda comenzó realizar pequeñas presentaciones en distintos lugares alrededor del mundo. A la vez grabaron un "Unplugged" para MTV, VH1 y CMT, show del cual fueron los iniciadores en una presentación en los MTV Video Music Awards de 1989; la banda interpretó sus mejores éxitos al estilo acústico, el cual ya es bastante usual en los chicos de Jersey; sin embargo la presentación fue algo desastrosa debido a que Richie (guitarrista) no se encontraba en condiciones para tocar y durante el show estuvo bastante desanimado y sin fuerzas para dar lo mejor de él; por lo cual, poco después, decidió internarse y comenzar con su rehabilitación por sus adicciones, de las cuales no se habló y no aclararon que tipo de adicciones tenía el guitarrista. Recientemente el álbum "Lost Highway" llegó al puesto No.1 en álbums, lo cual es un hecho histórico para la banda, ya que desde 1988 con "New Jersey", no había tenido otro No.1; tardando así 18 años en repetir la hazaña. Bon Jovi continuará promocionando este disco hasta el 2008, cuando empezará la verdadera gira.
HACER UNA LISTA CON LAS MEJORES CANCIONES DE UN GRUPO ES TAREA HARTO COMPLICADA, PORQUE CADA PERSONA SUELE TENER SUS PROPIAS PREFERENCIAS QUE NORMALMENTE NO SUELEN ESTAR VINCULADAS A LAS PECULIARIDADES DE LA CANCIÓN EN PARTICULAR, SINO MÁS BIEN A CIERTOS MOMENTOS VIVIDOS CON UNA CANCIÓN DETERMINADA. TENIENDO ESE DATO EN CUENTA, VOY INTENTAR MARCAR ALGUNOS DE MIS TEMAS FAVORITOS DE bon jovi a sabiendas que se quedan muchas por fuera ahÍ DEJO ESTA PEQUEÑA SELECCIÓN, QUE DESEO SEA DE VUESTRO AGRADO.
Esta hermosa canción de Amor tiene el honor de estar incluida entre las mejores canciones de amor de la historia elegidas por los usuarios de Spotify. Hablamos de ‘Reunited’, una balada soul a la que su, quizás, excesivo endulzamiento no ha impedido que se pueda apreciar su gran calidad creativa. Corría 1978 -a España llegó un año más tarde- cuando este dúo estadounidense que respondía al nombre de Peaches & Herb alcanzó el número uno en medio mundo occidental gracias a este espectacular tema, incluido en su excelente álbum ‘2 Hot’, que en nuestra tierra publicó Polydor.
‘Reunited’ podría ser incluida en cualquer catálogo de música para gourmets. Y, sin duda, habrá sido integrante de las numerosas listas y recopilaciones editadas o confeccionadas para el reciente día de San Valentín. Porque más de treinta años después de su salida al mercado aún mantiene el frescor de su génesis.
Ya debutó en el mercado con un éxito abrumador, tanto en el norteamericano como en los del resto del planeta. Su single fue triple platino, llegó al número uno de los hit parade de pop and blues de su país e, incluso. estuvo nominado a los Grammy, dentro del apartado de canción del año, aunque no se llevó el galardón. En España también llegó a lo más alto de la clasificación, concretamente el 8 de diciembre de 1979.
Esta pieza de joyería, que pronto superó el ámbito de las discotecas y convirtió en habitual su presencia en las programaciones de las diferentes emisoras de radio y, por supuesto, en el repertorio de las bodas de la época, nos habla, lógicamente, de amor. Escrita por Dino Fekaris y Freddie Perren, y producida por este último, incluso hoy se recurre a ella en algunas emisoras, porque es garantía de éxito entre los oyentes de edad madura.
En realidad Peaches and Herb dieron este campanazo con una secuela del tema ‘(We’ll be) United’, que ya habían grabado en 1968, inspirándose en un éxito homónimo que The Intruders cosecharon en 1966.
Cuenta la historia de unos amantes que decidieron reunirse tras comprobar que un período de separación sólo demostró que el uno no podía vivir sin el otro. Las peleas y las discusiones pasadas resultaron ser simples herramientas de amor para conocerse mejor. Juntos formaban la unidad y en la distancia cada uno perdía valor. Su amor no se extinguió con la ausencia, simplemente estaba en un letargo, pero al final se impuso y renació como las flores en primavera.
En soledad morían un poco y el lapso de tiempo que medía su distancia se hacía eterno. Peaches and Herb transmitieron a la perfección ese sentimiento del reencuentro de los enamorados. Deliciosamente romántico este memorable dueto. Expresión de sentimientos a flor de piel..
Herb Fame y Marlene ‘Peaches’ Mack decidieron constituirse en dúo musical allá por 1966 y caminaron juntos por la recién abierta senda del pop soul. Lo hicieron juntos sólo un año, poque ella optó por abandonar el proyecto. Él recurrió a otras vocalistas - hasta seis - para seguir la carrera de PEACHES & HERB.
El invento alcanzó el éxito con facilidad y de inmediato surgieron hits como ‘Close your eyes’, ‘Let’s fall in love’, ‘Love is strange’, ‘When he touches me’ o ‘It’s just a game, love’, hasta comienzos de los 70. Con poco éxito entraron en la década de los setenta -llegando incluso a tener problemas para la subsistencia, ya con Francine Baker Hurd en el papel de Peaches. Ello hizo que Herb se matriculara en la Academia de Policía de Washington D.C. y pasara a formar parte del departamento.
Sólo a finales de la década reverdecieron sus laureles con los singles ‘Shake your groove’, ‘Reunited’ y ‘I pledge my love’, cuando Linda Greene se hizo con la voz femenina y cosecharon sus primeros discos de oro.
Los ochenta tampoco fueron buenos para la pareja y decidieron separarse. Herb Fame volvió a su trabajo como oficial de policía. Con una nueva ‘Peaches’, Patrice Hawthorne, el dúo emprendió una gira que él compaginó con su empleo como agente. Sin embargo, su vuelta fue un simple espejismo y el grupo desapareció de nuevo.
Tras una larga disputa judicial por cobrar los royalties de los más de nueve millones de discos que vendieron, finalmente Peaches and Herb (Melocotones e hierba) recibieron las ganancias que les correspondían y la reafirmación de sus derechos artísticos. La sentencia favorable de 2001 animó a Herb a grabar juntos un nuevo disco en 2009 tras veintiséis años de silencio productivo. Lo hizo sin repercusión, junto a la barcelonesa Meritxell Negre. Ahora Herb se ha alejado definitivamente de los escenarios y es guarda de seguridad en Los Angeles. Constituye un ejemplo de la cara amarga de la música. REUNITED
Do that to me one more time - Captain & Tennille 1980
“Captain and Tennille” fue un conocido dúo musical de los años setenta y comienzos de los años ochenta que dio luz, a lo largo de varios discos, a un pop suave, sofisticado y elegante que, durante algún tiempo, se escuchaba muy frecuentemente. La pareja, formada por Daryl Dragon y Toni Tenneille, se casaron en 1975 y, posteriormente, siguieron interpretando juntos bellas canciones como esta que hoy proponemos aquí y que ha sido tarareada por millones de personas en todo el mundo probablemente sin saber el nombre de los autores del tema. Se trata de esta fantástica “Do that to me one more time” (1980).
No fueron el clásico grupo de un solo éxito, como tantos y tantos contemporáneos suyos que resultaron ser flor de un día. Su carrera se prolongó durante casi 20 años, con una excelente década del 70, pero es indudable que la gloria de este simpático conjunto de excelentes músicos algo gamberretes, está ligada a su primer gran impacto, “Sylvia´s Mother”, una curiosa balada que en el año 1972 llegó muy arriba en las listas de medio mundo, y les situó en el mapa.
La banda, cuyo nombre imita al de uno de aquellos charlatanes que recorrían el Oeste de villorrio en villorrio en un carromato, tratando de vender milagrosos remedios para casi todo, se formó en Union City, una localidad del estado de New Jersey, en el año 1967. Los miembros fundadores fueron George Cummings (Meridian, Mississippi, 1938), Ray Sawyer (Chickasaw, Alabama, 1937) y Billy Francis (Ocean Springs, Mississipi, 1942), tres sureños que ya habían trabajado juntos con anterioridad en un grupo llamado “The Chocolate Papers”. En el 67 volvieron a reunirse en tierras de New Jersey, y allí ficharon a un cantante local, Dennis Locorriere (Union City, New Jersey, 1949). Con varios cambios de batería van a tomar el nombre de “Dr. Hook & The Medicine Show” en cuanto comienzan a actuar en pequeños locales. Uno de ellos, Ray Sawyer, acababa de perder su ojo derecho en un grave accidente de coche, y aparecía siempre con un parche negro, convirtiéndose en una de las notas distintivas de la banda.
Durante varios años actuaron por el area de New Jersey, con diversos baterías, hasta que John “Jay” David (Bayonne, New Jersey, 1948) se hizo con el puesto en propiedad. Su gran oportunidad va a llegarles en 1970, cuando Ron Haffkine, director musical de un proyecto cinematográfico que finalmente se materializaría bajo el título de “¿Quién es Harry Kellerman?” ( Who is Harry Kellerman and Why Is He Saying Those Terrible Things About Me, Ulu Grosbard, 1971) escuchó unas maquetas suyas y les puso en contacto con el compositor de las canciones de la película, el también dibujante y poeta Shel Silverstein (Chicago, Illinois, 1932), que les consideró idóneos para interpetar la banda sonora del film. Este originó diversidad de críticas, pero les catapultó a su primer contrato discográfico, nada menos que con un sello tan puntero entonces como CBS ( para la que grababan grupos como Chicago, Santana o Blood, Sweat & Tears ).
En el álbum de su debut, títulado “Doctor Hook” a secas y publicado en 1971, con material escrito en su mayoría por Silverstein, el grupo estuvo integrado por Locorriere (Voz, guitarra, bajo y armónica ), Cummings (Guitarra ), Sawyer (Voz ), David (Batería) y Francis (Voz, guitarra y teclados). El elepé incluía un tema titulado “Sylvia´s Mother”, que al año siguiente aparecería en single y llegaría al número 2 en el Reino Unido y al 5 en los Estados Unidos (Billboard Hot 100 ), aunque en la caratula española del sencillo se estampó un “Nº 1 en USA”, debido a que consiguió encabezar otra lista norteamericana, la “Cash Box Top 100”, a mediados de junio del 72. Ese mismo año a la banda se le añadieron dos nuevos miembros, un bajista y otro guitarrista.
Su segundo single, “La portada de Rolling Stone” alcanzó igualmente un considerable éxito, pero suscitó también controversia, ya que a causa de su título la “BBC” se negó a emitirlo en el Reino Unido, al entender que hacía publicidad de una marca registrada, y que eso contravenía su política. Siguieron varios álbumes, con temas bien situados en los “Charts”, vendiendo millones de discos, hasta colocar uno de ellos, “When You´re in Love with a Beautiful Woman” en la cima de las listas británicas durante varias semanas de 1979. Pero la banda – que ya había acortado su nombre, dejándolo en “Dr. Hook” – había sufrido varios cambios para entonces (El batería, e incluso uno de los miembros fundadores se fueron), y las inevitables diferencias personales y musicales hacen también que la abandone su imagen más reconocible, el tuerto Ray Sawyer, para iniciar la consabida carrera en solitario. En 1985 el grupo se disuelve, aunque sus antiguos miembros han continuado en activo, publicando nuevos trabajos e interviniendo en numerosos conciertos.
“Sylvia´s Mother” o “La madre de Silvia”, su traducción literal, es un tema compuesto por Shel Silverstein y aparecido en el mercado discográfico a mediados de 1972. Su letra tiene una fuerte carga autobiográfica, pues narra los fallidos intentos del propio Silverstein por reanudar a la desesperada una relación sentimental recién rota con una chica llamada Sylvia Pandolfi (Que en la canción cambió su apellido a “Avery”), comprometida ya con otro hombre. Al parecer Silverstein llamó un día por teléfono a su amada, pero la que se puso al aparato fue la madre, que le dijo que todo había terminado entre los dos. Y de eso, sencillamente, es de lo que trata este magnífico tema.
La señora Avery le dice que Sylvia está muy ocupada para ponerse al teléfono, que está intentando iniciar una nueva vida, en la que encontrará la felicidad, y le insta a que deje en paz a su hija. Él insiste en hablar con ella, mientras como telón de fondo una operadora le conmina a introducir 40 centavos en la ranura de la cabina para poder seguir hablando durante los próximos tres minutos. Tras aflojar la pasta, el desconsolado escucha cómo la madre de Sylvia le cuenta que su niña está haciendo el equipaje, y que se marcha de casa para contraer matrimonio con un chico de Galveston (Texas) – del que deducimos que debe ser un buen partido – y que deje de darle la lata. Pero él porfía, alegando que sera sólo un momento, lo justo para decirle adiós, a lo que la mama le responde que nanay, que Sylvia tiene que tomar el tren de las 9, y a renglón seguido hace un inciso para recomendarle a su hija que lleve el paraguas, porque está empezando a llover. Después, muy civilizadamente, le da las gracias por llamar, pero le advierte también que no vuelva a hacerlo.
Una historia prosaica, de gente ordinaria y corriente, real como la vida misma, y que habrá tenido lugar millones de veces, con un arreglo entrecortado y una voz sollozante, cual corresponde al vulgar dramatismo cotidiano de la escena, una escena que hoy, cuando los móviles han sustituido ya hace tiempo a las románticas cabinas telefónicas, arrumbándolas como una auténtica antigualla, puede sonar extraña, en este tiempo de comunicaciones instantáneas y sin intermediarios. Pero así era el mundo en 1972, cuando las madres de Sylvia aun podían salir al quite y tomar el mando de las operaciones, mandando a paseo a los novios poco convenientes…
La banda, cuyo nombre imita al de uno de aquellos charlatanes que recorrían el Oeste de villorrio en villorrio en un carromato, tratando de vender milagrosos remedios para casi todo, se formó en Union City, una localidad del estado de New Jersey, en el año 1967. Los miembros fundadores fueron George Cummings (Meridian, Mississippi, 1938), Ray Sawyer (Chickasaw, Alabama, 1937) y Billy Francis (Ocean Springs, Mississipi, 1942), tres sureños que ya habían trabajado juntos con anterioridad en un grupo llamado “The Chocolate Papers”. En el 67 volvieron a reunirse en tierras de New Jersey, y allí ficharon a un cantante local, Dennis Locorriere (Union City, New Jersey, 1949). Con varios cambios de batería van a tomar el nombre de “Dr. Hook & The Medicine Show” en cuanto comienzan a actuar en pequeños locales. Uno de ellos, Ray Sawyer, acababa de perder su ojo derecho en un grave accidente de coche, y aparecía siempre con un parche negro, convirtiéndose en una de las notas distintivas de la banda.
“Sylvia´s Mother” o “La madre de Silvia”, su traducción literal, es un tema compuesto por Shel Silverstein y aparecido en el mercado discográfico a mediados de 1972. Su letra tiene una fuerte carga autobiográfica, pues narra los fallidos intentos del propio Silverstein por reanudar a la desesperada una relación sentimental recién rota con una chica llamada Sylvia Pandolfi (Que en la canción cambió su apellido a “Avery”), comprometida ya con otro hombre. Al parecer Silverstein llamó un día por teléfono a su amada, pero la que se puso al aparato fue la madre, que le dijo que todo había terminado entre los dos. Y de eso, sencillamente, es de lo que trata este magnífico tema.
La señora Avery le dice que Sylvia está muy ocupada para ponerse al teléfono, que está intentando iniciar una nueva vida, en la que encontrará la felicidad, y le insta a que deje en paz a su hija. Él insiste en hablar con ella, mientras como telón de fondo una operadora le conmina a introducir 40 centavos en la ranura de la cabina para poder seguir hablando durante los próximos tres minutos. Tras aflojar la pasta, el desconsolado escucha cómo la madre de Sylvia le cuenta que su niña está haciendo el equipaje, y que se marcha de casa para contraer matrimonio con un chico de Galveston (Texas) – del que deducimos que debe ser un buen partido – y que deje de darle la lata. Pero él porfía, alegando que sera sólo un momento, lo justo para decirle adiós, a lo que la mama le responde que nanay, que Sylvia tiene que tomar el tren de las 9, y a renglón seguido hace un inciso para recomendarle a su hija que lleve el paraguas, porque está empezando a llover. Después, muy civilizadamente, le da las gracias por llamar, pero le advierte también que no vuelva a hacerlo.
Una historia prosaica, de gente ordinaria y corriente, real como la vida misma, y que habrá tenido lugar millones de veces, con un arreglo entrecortado y una voz sollozante, cual corresponde al vulgar dramatismo cotidiano de la escena, una escena que hoy, cuando los móviles han sustituido ya hace tiempo a las románticas cabinas telefónicas, arrumbándolas como una auténtica antigualla, puede sonar extraña, en este tiempo de comunicaciones instantáneas y sin intermediarios. Pero así era el mundo en 1972, cuando las madres de Sylvia aun podían salir al quite y tomar el mando de las operaciones, mandando a paseo a los novios poco convenientes…
Dust in The Wind es el nombre de una canción interpretada por la banda norteamericana de rock sureño americano denominada Kansas, publicada en 1977. Llegó al lugar #6 de las listas de popularidad Billboard Hot 100.
Fue escrita por el guitarrista de la banda Kerry Livgren, y fue una de las primeras piezas acústicas de la banda; su melodía suave y su letra melancólica difiere ostensiblemente de otros éxito de la banda, como "Carry On Wayward Son", "my lonely wind" y "The Wall" que tiene un grado mas de guitarras electricas y experimentacion.
El interludio de la canción contiene una melodía distintiva interpretada por Robby Steinhardt , doblando sus solos de violín, viola y chelo, que fueron escritos a su vez por Livgren.
Está hecha con un profundo significado espiritual sobre la vida y como debemos enfrentarla.
Existen muchos grupos que la han incorporado a sus repertorios en conciertos por todos el mundo como Scorpions, The Moody Blues, Mägo de Oz, Metalium, Eric Benét, Keren Ann, Chantal Richard, Daughter Darling, J.B.O., Interface, The Eagles y Simon & Garfunkel y muchos mas. Tambien existe una version punk en español interpretada por al banda chilena Los Mox!, se llama "Polvo en el viento".
Pocas agrupaciones han sido tan grandes como Pink Floyd. En su historia, cambiaron la música, y crearon nuevos estilos, además de dar un nuevo significado a la ópera rock, componiendo canciones y discos completos como relatos de vida, y con letras y música profunda, llena de emoción, durante sus casi 50 años de historia.
Pink Floyd, la banda que cambió la música desde el lado oscuro de la Luna
La década de los años 1960 ha sido de las más significativas para la historia de la música, desde para el Rock en general hasta para cualquier género. Fueron demasiados grandes que nacieron y se dieron a conocer en estos 10 años que lo cambiaron todo, y hoy en día siguen sonando tan bien como entonces, incluso mejor. Fueron dioses musicales, de los que cuesta que volvamos a ver, y entre ellos en una posición muy prestigiosa se encuentra Pink Floyd.
Durante casi 50 años, Pink Floyd ha revolucionado la músicaY es que Pink Floyd es mucho más que una agrupación de rock progresivo, rock psicodélico, rock sinfónico o espacial. La agrupación de Waters, Gilmour, Mason y Wright (y Barrett) se movió por muchos géneros, y creó o modificó algunos otros, pero en general, su música fue y es grandiosa; cada uno de sus discos se convirtió en una obra maestra del más puro arte, y son un icono cultural en todo el mundo.
Podríamos dividir, sin ser completamente justos, la historia de Pink Floyd en tres eras: la más psicodélica y espacial, la más sinfónica y la más progresiva, con muchos elementos de Blues. Personalmente, a mi me gusta catalogarlas de otra forma, dependiendo de quién marcó el estilo de la época, y cómo se notó su influencia durante todos los discos que abarcó. Todos los integrantes de Pink Floyd marcaron un antes y un después en la agrupación, y en la música, pero sus tres líderes, marcaron las bases de la banda durante tres temporadas.
La era y el legado Barrett Pink Floyd Como suele suceder, nació a raíz de varios intentos musicales de sus integrantes en varias agrupaciones. Todo comenzó en el año 1964 con una agrupación llamada "Sigma 6", pero no fue sino hasta se formó la agrupación Tea Set que se juntaron Roger Waters, Nick Mason, Richard Wright y Syd Barrett, y ese nombre se mantuvo en la banda por mucho tiempo, hasta que por el simple hecho de encontrarse con una agrupación más vieja que llevaba el mismo nombre, pasaron a llamarse The Pink Floyd Sound.
Barrett fue el primer gran líder de Pink Floyd (que poco tiempo después pasaría a llamarse simplemente así), y su estilo estaba marcado por su gusto en The Beatles y del género R&B. El estilo y sonido de Syd Barrett está muy marcado en el primero disco de Pink Floyd, llamado The Piper at the Gates of Down; canciones como Interstellar Overdrive y Arnold Layne o The Scarecrow son sinónimo de Barrett.
La primera era de Pink Floyd estuvo increíblemente marcada por el rock psicodélico y espacial, y esto es en gran parte gracias al primer y perturbado líder de la banda. Perturbado, porque Barrett no duró mucho como parte de la agrupación; a inicios del año 1968 su estado mental era tan grave, gracias al estrés y al consumo de drogas como LSD, que el resto del grupo decidió llamar a un amigo de su líder, llamado David Gilmour, como guitarrista invitado para conciertos, que ayudara a Barrett con voces y guitarra cuando a este le dieran bloqueos mentales (que eran cada vez más comunes entonces).
Aún sin Barrett, su estilo y legado marcó a la banda por 7 discosPero no funcionó, y en abril de 1968 decidieron retirar a Barrett de la banda, por lo que el gran Syd estuvo solamente para un disco y medio de Pink Floyd, aunque su legado y esencia continuó presente en la banda por muchos discos más.
El sonido psicodélico de Pink Floyd no murió con la salida de Barrett; aunque es cierto que la banda cambió su estilo en la siguiente era, los primeros 6 (o 7) discos se mantuvieron fieles al estilo psicodélico, espacial y sobre todo experimental, y es por el interés de Gilmour y Waters (principales compositores en la banda) en siempre buscar nuevos sonidos, que cambió tanto Pink Floyd en su historia, y llegaron discos como el A Saucerful of Secrets, el Ummagumma, Atom Heart Mother, y esa obra maestra, llamada Meddle. Después de esta era no quiere decir que Pink Floyd no haya continuado su legado con música psicodélica, pero la siguiente época vendría muy marcada de forma personal e íntima de uno de sus integrantes, que dejó libre su lado más artístico, y Floyd pasó de ser una agrupación que podías intentar encasillar en uno o dos estilos musicales, a arte en su forma más pura, una ópera, un relato contado con música, con sentimiento, emoción, e historias trágicas, llenas de melodías tristes, alegres, con ira, con fuerza.
En el año 1973 comenzó el "lado oscuro de Pink Floyd", con uno de los discos más conocidos en la historia de la música, y que marcó un antes y un después en el legado de la banda.
La era Waters Roger Waters mostró su lado más artístico y también oscuro a partir del año 1973 y el mítico disco The Dark Side of the Moon. Mientras que Gilmour se convertía en el vocalista principal de la banda, Waters se dedicaba a hacer evolucionar el sonido de la agrupación, convertirlo en algo difícil de clasificar, en una orquesta, abrió las puertas al rock sinfónico y empezó a componer óperas, con continuidad, que narraran historias maravillosas, impactantes y sobre todo muy personales, cosa que veremos en los dos últimos discos con Waters en la agrupación.
The Dark Side of the Moon fue un éxito mundial, que llevó a la banda a ser reconocida en todo el planeta y ganarse su tan merecido lugar en la historia (hasta entonces, su éxito en Europa era innegable, pero no en los Estados Unidos). Puede que Money sea una de las canciones más exitosas y conocidas en la historia del Rock, y sin duda el gran sencillo del álbum, pero todo el disco es una obra de arte, narrando o intentando plasmar las expresiones que vive el ser humano durante toda su vida.
Esta vez, la banda amplió de manera definitiva su sonido con saxofones, flautas y mucha influencia de Jazz, algo que permitía a Gilmour demostrarnos su increíble talento como guitarrista, mientras que dejaba a Waters jugar más con las melodías. Breathe, On The Run y Time son la apertura gloriosa de este disco, que merece ser escuchado de inicio a fin sin detenerse.
Trás The Dark Side of the Moon llegaron dos discos muy personales de Waters, el primero de ellos, Wish you Were Here, es otra de las grandes obra maestras de la agrupación (¿acaso todas no lo son?) y una de sus canciones, Shine On You Crazy Diamond, está compuesta en honor a Syd Barrett y su estado mental en declive. De hecho, el primer guitarrista y líder de la banda apareció en el estudio en medio de la grabación, sin previo aviso, y en un estado de completa confusión mental. No solo eso, en este disco tanto Gilmour como Waters continúan con su severa crítica a la industria musical, con canciones tan geniales como Have a Cigar y Welcome to the Machine.
La era Waters es la época más conceptual de la agrupación, marcada por sus tendencias políticas, crítica a la industria y experiencias y tragedias personales, ya fuera por la pérdida (mental) de su gran amigo Syd, o de su padre, un hecho que marcó la vida del bajista y compositor.
El siguiente disco de Floyd sería uno de los más interesantes y que de nuevo apostaba por ser una ópera conceptual. El Animals fue compuesto en gran parte por Roger Waters (sobre todo las líricas) luego de leer un libro que cambió su vida y la forma de ver a la sociedad, "la Granja Animal" de George Orwell, y por ello en el disco de cinco canciones se dedicó a describir a la sociedad capitalista como tres animales: Ovejas (el pueblo, el rebaño pisoteado y explotado), Perros (el opresor, que golpea y muerde a las ovejas), Cerdos (el jefe capitalista, el empresario, el líder de corporaciones que solo se enfocan en ganar dinero a expensas de los demás).
El resultado es, de nuevo, una obra maestra.
Pero no sería sino hasta el año 1979 en el que llegó el segundo disco más conocido de Pink Floyd y, quizás, la obra maestra de Roger Waters. Una verdadera ópera, que incluso fue acompañada con una escenografía impresionante durante la gira, y es que era mucho más que ver a los músicos tocar canciones, músicos que ahora no solo eran Gilmour, Wright, Mason y Waters, sino también una orquesta sinfónica.
The Wall es la obra maestra de Waters, basado en su niñez y en la vida de Syd BarrettThe Wall es el disco más importante en la historia de la ópera rock, un disco inspirado tanto en la niñez de Waters (y por ello, uno de sus discos más íntimos) como en, de nuevo, Syd Barrett. Está basado en la historia de la vida del personaje "Pink", el abandono y la soledad.
En su niñez, Pink es Waters, un niño que sufre la pérdida de su padre durante la Segunda Guerra Mundial, y que intenta ser amoldado acorde a la sociedad por profesores opresores y lava cerebros. Al ser adulto, Pink es Barrett, un artista que abusa de las drogas y se pierde en su soledad, depresión y adicción. The Wall incluso tuvo una película que llevó a la gran pantalla, de una manera gloriosa, todos los acontecimientos del disco que también eran representados en el escenario de las giras, algo que hoy en día continúa haciendo Roger Waters.
The Final Cut es el último álbum de Pink Floyd en el que estaría Roger Waters, luego de que, durante la grabación de The Wall, despidiera a Richard Wright luego de desplazarlo por completo de la composición, dejarlo de lado, y rechazar su participación artística.
En este punto Pink Floyd era más Roger Waters que nada, aunque la esencia musical de Gilmour estaba muy presente, como siempre, en la guitarra y sus melodías fascinantes. Pero The Final Cut era un disco aún más íntimo de Waters, completamente centrado en las fuerzas armadas de Reino Unido y la traición de estas con sus veteranos, y hombres caídos en la guerra, como por supuesto, su padre.
Luego de The Final Cut, Waters se fue para nunca más volver a componer junto a los miembros de la banda que vio nacer, e hizo crecer por tantos años. Esto fue en el año 1985, y luego de esto, la banda parecía que iba a morir, pero comenzó la tercera y última era de la mítica agrupación musical.
La era Gilmour EN 1985, WATERS DECLARÓ LA EXTINCIÓN DE PINK FLOYD, PERO EL RESTO DE LOS MIEMBROS, ENCABEZADOS POR GILMOUR, SIGUIERON DANDO VIDA AL GRUPO HASTA SER DEMANDADOS POR WATERS DEBIDO A LOS DERECHOS DEL NOMBRE DE LA BANDA, YA QUE ELLOS CONTINUARON GRABANDO Y HACIENDO GIRAS BAJO EL NOMBRE DE PINK FLOYD MIENTRAS QUE WATERS PENSABA QUE EL NOMBRE DE LA BANDA NO DEBÍA SEGUIR SIENDO UTILIZADO. TRAS LOS JUICIOS, WATERS OBTUVO LOS DERECHOS EXCLUSIVOS SOBRE TODA LA IMAGINERÍA QUE DESPLEGABAN EN SUS CONCIERTOS (INCLUIDO SU FAMOSO CERDO VOLADOR) Y LOS DERECHOS SOBRE EL ESPECTÁCULO AUDIOVISUAL DE THE WALL (EXCLUIDOS LOS TRES TEMAS QUE COMPUSO GILMOUR PARA LA OBRA: "YOUNG LUST", "RUN LIKE HELL" Y "COMFORTABLY NUMB". LA JUSTICIA IGUALMENTE LE RECONOCIÓ LOS DERECHOS DE TODA LA OBRA INCLUIDA EN THE FINAL CUT, MIENTRAS QUE EL RESTO DEL GRUPO PODÍA SEGUIR USANDO EL NOMBRE. TRAS SUPERAR ESTOS PROBLEMAS LEGALES, GILMOUR, MASON Y WRIGHT DISFRUTARON DEL ÉXITO COMERCIAL CON A MOMENTARY LAPSE OF REASON (1987), DISCO EN EL QUE WRIGHT PARTICIPÓ COMO TECLISTA ASALARIADO Y NO COMO MIEMBRO DE LA BANDA, Y CON THE DIVISION BELL (1994), ÚLTIMO DISCO DE ESTUDIO DEL GRUPO EN EL QUE YA APARECIERON GILMOUR, MASON Y WRIGHT COMO COMPONENTES DE LA BANDA. WATERS, POR SU PARTE, SE EMBARCÓ EN UNA CARRERA COMO SOLISTA Y NO SE VOLVIÓ A REUNIR CON PINK FLOYD HASTA 24 AÑOS DESPUÉS, EL 2 DE JULIO DE 2005 EN EL CONCIERTO LIVE 8 EN LONDRES. En el año 1986, Gilmour y Mason comenzaron a componer y grabar el que sería el disco número 13 de la banda, aunque esto inició una disputa legal con Waters, dado que el antiguo bajista creía que la banda debería dejarse morir, y no continuar, pero Gilmour y Mason lucharon por hacerse con los derechos, y así fue.
A Momentary Lapse of Reason, sin embargo, es un disco que suena más a Gilmour que a nada más. La banda asegura que algunas canciones incluso venían de la era Wright, pero el estilo musical del disco está completamente relacionado al guitarrista, suena a él, y algunos críticos decían que este debió haber sido su primer trabajo solista, y no llevar el nombre de Pink Floyd.
La banda en este punto cambió demasiado, el salto drástico de sonido que se da entre The Final Cut y A Momentary Lapse of Reason es increíble, parecen dos agrupaciones completamente distintas, mucho más que el salto entre el Obscured by Clouds (era del legado Barrett) y The Dark Side of the Moon (inicio era Waters).
Desde que en el año 1987 saliera este disco, la banda se ha mantenido muy calmada, disminuyendo considerablemente la velocidad en al que compone, y en la que saca nuevos álbumes. De hecho, en el año 1993 vuelve Richard Wright a Pink Floyd, y un año más tarde lanzan The Division Bell, un disco que aunque sigue con el sonido de Gilmour muy marcado, suena espectacular, hay varias canciones en este álbum que pueden ser consideradas de las mejores en la historia de la música, y para prueba, esa brillante interpretación de High Hopes en el concierto Pulse que dio la banda a mediado de la década de 1990.
Lamentablemente, todos los fanáticos de la mítica agrupación nos quedamos esperando una reunión definitiva, una nueva gira, o un disco con los cuatro miembros originales de la banda.
En el año 2005 todo apuntaba a que sería así, a que Pink Floyd se reuniría, pero no lo fue, solamente se volvieron a ver los cuatro integrantes en escenario en el concierto Live 8 de Londres, el 2 de julio del año 2005, luego de 24 años sin tocar juntos. Es una de las reuniones musicales más emotivas de la historia, incluso cuando se notaba que Gilmour y sobre todo Mason no estaban tan cómodos alrededor de Waters.
El 15 de septiembre del año 2008 falleció Richard Wright, poniendo el fin definitivo a Pink Floyd, y una posible reunión que nunca sucederá. Puede que Gilmour después ha tocado con Waters un par de canciones, pero Waters no vuelve, ni volverá, a la banda. Actualmente trabajan en un nuevo disco, llamado The Endless River, pero solamente Nick Mason y Davod Gilmour, incluyendo canciones que incluso llegaron a grabar junto a Richard Wright.
Pink Floyd es una de las agrupaciones más importantes no solo en la historia del rock, y cómo lo hizo evolucionar, sino en la historia de la música en general. Pocas, muy pocas bandas o músicos han logrado crear estilos, marcar tendencia, y contar con canciones y álbumes completos que no serán olvidados nunca, y que marcaron una generación completa, siguen haciéndolo, y lo harán por siglos. Hacer una lista con las mejores canciones de un grupo es tarea harto complicado, porque cada persona suele tener sus propias preferencias que normalmente no suelen estar vinculadas a las peculiaridades de la canción en particular, sino más bien a ciertos momentos vividos con una canción determinada. Teniendo ese dato en cuenta, voy intentar marcar mis favoritaS DE PINK FLOYD. Hay mucho que me gusta escuchar de este grupo, tan querida, incomprendida y criticada por muchos. El grave error de muchos ha sido el relacionar a esta banda con el tema de los estupefacientes, alucinogenos y derivados que automaticamente los satanizaron y clasificaron su música como para gente pasada de vueltas. Ello ha llevado a que muchas personas se hayan privado del placer de disfrutar de ciertas joyas musicales, que pasaron desapercibidas, por las imposiciones publicitarias de la época, donde las emisoras de los años 70's, 80's incluso de los 90's.
1.- HEY YOU
2.- COMFORTABLY NUMB
3. - THE FINAL CUT
4.- ON THE TURNING AWAY
5.- LEARNING TO FLY 6.- US AND THEM 7.- WHIS YOU WERE HERE 8.- BRAIN DEMAGE
