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Unchained Melody es una de las canciones con más versiones (segun estudios, hasta 500 se han registrado) del siglo XX. La versión original fue escrita por William Stirrat (Hy Zaret) en el verano de 1936, en un intento de enamorar a una chica llamada Mary Louise "Cookie" Pierce. La música fue escrita por Alex North con letras de Hy Zaret para una película de 1955 llamada Unchained.
Adquirió más fama internacional gracias a la película Ghost en 1990, gracias a la version de The Righteous Brothers, quienes la habian grabado en 1965 y fue remasterizada para su uso como parte de la banda sonora de la pelicula protagonizada por Demi Moore.
Para aquellos que no saben, The Righteous Brothers, era un duo musical compuesto por Bill Medley y Bobby Hatfield en 1963 cerca de Los Ángeles, California y tuvo varios exitos en la decada de los sesenta.
La voz de Bobby Hatfield es quien llevo a la historia a esta hermosa cancion de amor apasionado.
En 1968 la interpretó magníficamente Iva Zanicchi y Elvis Presley en ,1977 en un programa de televisión (que ademas seria la ultima aparición de elvis en la tv.), TAMBIÉN fue parte de la historia de esta MELODÍA desencadenada. Que la disfruten!!!
1987 no sería un año más para U2. The Joshua Tree, su quinto disco de estudio, tenía por delante el objetivo de ratificar la coronación masiva que la banda de Dublin ya había comenzado a conocer tres años antes con The Unforgettable Fire y su primera gran gira de estadios. Para eso, el primer single de difusión cargaría con un peso notorio: no sólo no debía fallar, sino que a su vez era necesario que terminase de catapultar a la banda.
El boceto inicial de "With or Without You" se escribió en 1985 en la casa de Larry Mullen Jr., pero tardó bastante tiempo en adoptar su forma definitiva ya que, dada su estructura (una secuencia de cuatro acordes que se repite constantemente), a la banda le costaba encontrarle distintos matices. No fue hasta que la dupla de productores de Brian Eno y Daniel Lanois dio una directriz clave: la de tocar menos notas y crear más ambiente.
Para lograr esto, Lanois le dio a The Edge un prototipo de la Infinite Guitar, un invento desarrollado por un colega suyo en base a una guitarra con un micrófono y su circuitería alterados para que las notas tocadas se repitiesen infinitamente. Este agregado hizo posible que U2 concretase de una vez lo que hacía dos años le costaba concebir: que la canción fuera creciendo gradualmente, desde una expresión mínima hasta su correspondiente estallido épico.
Una vez que las tomas instrumentales estuvieron listas, Bono se inspiró en su melodía acongojante para escribir unos versos que, a simple vista, son el relato de una relación sentimental deteriorada. La elección no es fortuita, ya que el vocalista se encontraba a sí mismo en el medio del conflicto entre su vida privada y su ascenso al estrellato. Incluso, una de sus líneas más representativas ("And you give yourself away") intenta reflejar a lo expuesto que comenzaba a sentirse en su papel de estrella de rock, a sabiendas de lo que ello significaba y también demandaba.
Lanzado tres semanas después de la aparición de The Joshua Tree, "With or Without You" fue el primer número 1 de U2 en Estados Unidos, y arañó el Top 5 británico. Desde 1987, es un número clavado en la lista de temas de cada gira del grupo irlandés. En algunas ocasiones, como en el primer tramo del Vertigo Tour, el grupo evitó tocarlo, pero la demanda fue tan fuerte que desde 2009 es una parada obligada en cada setlist. Que la disfruten!!!
“When I Need You” es una canción escrita por Albert Hammond y Carole Bayer Sager. Fue editada por primera vez dándole título al álbum de 1976 de Hammond When I Need You. La canción contó con una versión de Leo Sayer en febrero de 1977, producida por Richard Perry, y fue un éxito en todo el mundo.
Posteriormente también contó con versiones de, entre otros, artistas como Shirley Bassey, Perry Como, Celine Dion, Johnny Mathis, Rod Stewart, Desmond Dekker, Barry Manilow, Randy Crawford, Billy Vaughn, Luther Vandross o Gene Pitney.
Leo Sayer (Gerard Hugh Sayer, nació el 21 de mayo de 1948 en Sussex) es un músico y compositor británico de rock y pop, quien en un principio inicio su carrera co-escribiendo canciones con Davis Courtney y mas tarde continua como cantante, en el 2005 se muda a Australia y en el 2009 se convirtió en ciudadano australiano.
Sonny Curtis y Jerry Allison, miembros de The Crickets, la banda de acompañamiento del mítico Buddy Holly, escribieron ‘ More than I can say’ a finales de la década de los cincuenta. No fue una canción bien acogida por su discográfica. Se grabó en 1959, pero se desechó desde el principio y pasó a reposar en el fondo de un cajón.
La muerte de Holly en un accidente de aviación dejó huérfanos a The Crickets, que se vieron obligados a seguir en solitario su carrera. Fue entonces cuando recuperaron la canción que hoy analizamos. Salió al mercado en 1960, sin mayor éxito. Ni siquiera consiguió clasificarse entre las primeras cuarenta plazas del hit parade estadounidense.
Pero, por esos caprichos de la vida imposibles de explicar, dos décadas después, concretamente en 1980, el cantautor británico Leo Sayer quiso dar su visión de esta obra y la convirtió en uno de los grandes éxitos del milenio pasado. Arrasó en todo el mundo el año en que se publicó y, como ocurrió en España, en el siguiente ejercicio. Fue un rotundo éxito, manteniéndose cinco semanas en el número dos de la lista Billboard. Igual posición alcanzó en la lista británica. Por supuesto, fue disco de oro.
Sayer, que ya gozaba de un reconocido prestigio en el mundo del pop de ambos lados del Atlántico, quería dar un giro a su carrera mediante un disco que realizara nuevas lecturas de éxitos antiguos. En ello estaba cuando una mañana vio en televisión un anuncio en el que aparecía la canción –en versión de Bobby Vee– a la que hoy nos referimos. «Entré en una tienda por la tarde, compré el disco y la grabé esa misma noche», declaró hace un tiempo a una revista especializada.
‘More than I can say’ es de esas composiciones que pretenden dejarnos claro que a veces las palabras no bastan para expresar nuestros sentimientos. Se quedan cortas. Ocurre casi siempre cuando tratamos de describir el amor. «Te quiero más de lo que te puedo decir», podría ser la frase que resume esta filosofía.
Esta canción también ha inspirado, según sostienen algunos críticos, a Police, que incluyó alguna de sus notas en la parte del coro de ‘Every breath you take’, publicada un par de años más tarde que la ‘More than I can say’ de Sayer. Que la disfruten!!!
I Still Haven’t Found What I’m Looking For - u2 1987
legados a este punto, estaba claro que U2 sabían que habían realizado un gran trabajo con The Joshua Tree. La banda había conseguido sacarse de la manga una gran colección de canciones, unos temas con espíritu, con significado que además estaban en lo más alto de las listas de hits de todo el mundo.
En Mayo 1987, I Still Haven’t Found What I’m Looking For se convirtió en el segundo hit consecutivo de U2 en la Billboard Hot 100 de Estados Unidos después de “With or Without You”.
“I Still Haven’t Found What I’m Looking For” se origino a partir de una demo titulada de “The Weather Girls”/”Under the Weather” que la banda grabó en una jam session. Posteriormente, esta demo, re-titulada “Desert of Our Love”, fue incluida en la versión remasterizada de 2007 de The Joshua Tree.
Tenía una melodía diferente, pero lo importante fue que empezó a cristalizar en la cabeza de Bono, que por aquel entonces estaba escuchando música gospel (The Swan Silvertones, The Staple Singers o Blind Willie Johnson) lo que influyo notablemente en el tema.
“Siempre me ha gustado la música gospel y alenté a Bono a ir a ese lugar… Fue algo ‘no muy U2’ lo que hicimos en ese momento. Creo que abrió una puerta para ellos, a experimentar en ese terreno… Bono canto en la parte más elevada de su rango. Es casi como escuchar a Aretha Franklin. Te llega y solo puedes sentir la sensación” Daniel Lanois.
Y lo más importante: Bono por fin comenzó a construir letras solidas para las canciones de U2.
“Solía pensar que escribir las letras era algo pasado de moda” Dice Bono “Así que las improvisaba. Las escribía delante del micrófono. Para The Joshua Tree, comencé a sentir que tenía que escribir letras que significarán algo fuera de mi propia experiencia”.
Pero al significado profundo de la canción se le unió algo con la misma importancia: El espectacular ritmo que Larry Mullen creo para el tema.
“Fue un ritmo original de Larry” Comenta el productor Daniel Lanois “Siempre buscábamos esos ritmos que dieran a la canción un tono inconfundible. Y este es uno de ellos. Fue único”.
En cuanto al título de la canción, I Still Haven’t Found What I’m Looking For, proviene de la mente creativa de The Edge, que una mañana, antes de ir al estudio, lo apunto en su bloc de notas. Edge siempre ha sugerido que fue influenciado por una linea de una canción de Bob Dylan, “Idiot Wind”: “You’ll find out when you reach the top you’re on the bottom”.
Unas notas curiosas. La parte vocal que escuchamos de fondo fue interpretada por Edge, Daniel Lanois y Brian Eno y la canción fue escrita casi en su totalidad en Danesmoate House en Dublin y el Mix final fue completado por Edge y Lanois en el estudio de la casa de Edge en Melbeach.
En cuanto al significado de la letra, nos encontramos con claras referencias bíblicas como “I have spoken with the tongue of angels” (1 Corintios 13:1: “Si yo hablase lenguas humanas y angélicas, y no tengo amor, vengo a ser como metal que resuena, o címbalo que retiñe”) que le dan al tema un claro componente espiritual de superación y perdida, de intentar encontrar a Dios.
Pero como muchos de los temas de U2, también podemos interpretarlo de una manera más terrenal: Puede hacer referencia a la energía que ponemos en tener una relación personal, en como nos intentamos convencer de que nos completa y como finalmente nos damos cuenta que siempre queremos algo más.
En definitiva, I Still Haven’t Found What I’m Looking For, es una de las canciones ‘perfectas’ de U2. Quizá sin darse cuenta encontraron lo que todo vendedor de música busca. Que la disfruten!!!
Hasta para los que somos algo excepticos, pues la ciencia te hace objetor de conciencia, hablar de Dios siempre impone. Dentro de mi politeísmo musical Bruce Springsteen está en el Olimpo y la canción ‘The river’ podría perfectamente salir de las arpas y los laúdes míticos. Aunque elegir una de las obras del Boss significa una traición al resto de sus creaciones inmejorables, opto por esta por ese sonido roto de armónica, el que siempre me ha robado el corazón en los casi cuarenta años de vida de sus notas.
‘The river’ siempre me hace pensar y me sume en una tristeza placentera. Una de las joyas indiscutibles de la historia de la música. No temblar ante el sonido de la voz áspera de Bruce es imposible. La compuso para su hermana y nos narra la cruda historia de la pérdida de la adolescencia de forma prematura por presión de valores y normas establecidas, así como también por los errores cometidos por inexperiencia.
Una noche de verano de 1979 Bruce Springsteen estaba en una habitación de hotel cuando escrutaba en su mente sobre la crisis de la construcción de finales de los años setenta y su cruel incidencia en las familias trabajadoras como la de su propia hermana. Entonces nació ‘The River’, que describe la vida dura y triste de un joven atrapado por los compromisos del hogar. De un joven que llega desde un sitio donde las cosas no cambian demasiado y donde básicamente haces lo que se espera de ti. A pesar de ello se casa demasiado pronto con su novia del instituto porque se queda embarazada con sólo 17 años.
El protagonista encuentra un trabajo como obrero de la construcción, pero eso también se convierte en una decepción. La familia, el matrimonio, el trabajo, todo lo que le parecía tan importante se ha esfumado. Ya de adulto actúa como si de nada se acordara, como si ya no le importara. Pero sí, y es la razón por la que el dolor de su vida nunca termina. Los recuerdos del pasado le torturan como una maldición.
El río sirve como metáfora de la esperanza. Era el lugar al que solí ir la joven pareja cuando eran novios. Después, tras la improvisada ceremonia del matrimonio, era el lugar al que acudían para sentir consuelo. Y más tarde aún, después de que todas sus esperanzas se habían desvanecido, sigue siendo el sitio al que continúan acudiendo a pesar de que el protagonista sabe que el río está seco. ‘The River’ es una de las baladas más humanas de Bruce. Que la disfruten!!!
don henley conocido ya por los amantes de la buena música, lanzó en 1982 su primer álbum en solitario titulado "I can't stand still" con el sello Asylum Records, reeditado en 1999 en Warner Bros Records. En este álbum el solista principal de Eagles (junto a Glenn Frey) estrenó su éxito "Dirty laundry" y algunas canciones que pasarían desapercibidas pero que merecen una revisión como es el caso de "Lilah" o "Long way home". La canción que nos ocupa está dentro de estas "desconocidas" pero afortunadamente recuperada por Don en sus últimos conciertos es reconocida como una de sus mejores baladas. Sin duda una canción muy nocturna y emotiva con una letra inolvidable. Ladies & Gentlemen: Don Henley and "Talking to the moon": Que la disfruten!!!
"Song Sung Blue" fue lanzada como single en Agosto de 1972 con el fin de promocionar el disco Moods, una de sus tantas joyas musicales que nos regaló este gran artista oriundo de Brooklyn.
Diamond es considerado por muchos como uno de los artistas mas completos dentro de la escena de música popular. Sus canciones han ayudado a relanzar las carreras de muchos artistas y sus discos en vivo son verdaderos tesoros sonoros, llenos de fantásticos arreglos orquestales y letras reflexivas sobre la vida y el mundo en que vivimos.
Era 1972 y la carrera de Diamond por fin había tomado vuelo gracias al rotundo éxito en los medios de "New Orleans" y la aclamada "Sweet Caroline". Es que luego de probar varios singles y de cederle canciones a varios artistas que ganaron fama gracias a él, ya era hora que el cantautor saque a relucir su talento en todos los escenarios del mundo.
Con la llegada de la tan ansiada fama, Diamond se dedicó a escribir y escribir canciones como loco. Buscaba ideas donde sea y así fue como una tarde mientras escuchaba el famosisimo "Concierto para piano N°. 21" de Wolfgang Amadeus Mozart se le ocurrió una genial la idea para "tejer" una canción.
El resultado fue "Song Sung Blue", con acordes muy parecidos a la melodía de Mozart y que Diamond, un detallista profesional, no quedó muy a gusto ya que la encontraba "muy simple y con un mensaje en la letra muy básico".
Intentó arreglarla incluyendole un coro mas potente pero la cosa iba perdiendo el sentido comercial que necesitaba para el disco y decidió dejarla tal cual, a pesar de su descontento por el resultado obtenido.
Para el autor, esta canción no pintaba para single ni menos se le pasaba por la cabeza que sería un éxito comercial y la ídea de colocarla en el disco fue con la misión de que sea una simple canción de "relleno". Así, con esa ídea en mente, se fue con la cinta bajo el brazo a los estudios de grabación.
Pero el encargado de decirle a Diamond que la canción estuviera presente en Moods fue el señor Russ Regan, que era un empresario de la industria musical y dueño de UNI Records (sello discográfico para el cual trabajaba Diamond). Al escuchar la canción, Russ quedó maravillado con la melodía y abrazó al cantante gritandole una frase con todo el estilo de la gente del mundo empresarial: "tus derechos de autor crecen cada día más!!!". Años despues, en una entrevista con un medio Inglés, Regan dijo: "Aunque la letra lo dice todo y no había mucha confianza en ella, resultó ser una de las piezas musicales mas importantes para Neil".
Si hay algo (de lo poco) que tenemos que agradecerle a los empresarios, es su buen olfato comercial y hacer de las cosas simples un producto altamente vendible. Con "Song Sung Blue" la cosa fue parecida, ya que al ser lanzada como single las ventas se fueron a las nubes, legando al puesto Nº1 del Billboard Hot 100, casillero que no era visitado por Diamond desde el suceso de "Cracklin' Rosie". Pero la fama de Diamond traspasó fronteras gracias a esta canción y el continente europeo tuvo que rendirse a los pies ante los acordes de "Song Sung Blue". En el reino Unido alcanzó el primer lugar del UK Singles Charts y la canción pasó a ser pieza clave en sus conciertos.
A raíz de toda esta fama no esperada por Neil "Diamante", la canción se convirtió en una de las piezas musicales mas reconocidas de su trayectoria musical. Su asombro lo hizo público en 1996, cuando en las notas de disco recopilatorio "In My Lifetime" mencionó sobre esta canción: "Jamás le tomé la atención al mensaje, lo encontraba muy básico y no quise adornarla tanto ni COLOCARLA un coro. No tenía IDEA que sería un gran éxito o que la gente la cantaría".
Hay que decir que al igual que en las matemáticas, la música siempre tiene otro color cuando está hecha de cosas simples y eso las hace siempre bienvenidas ya que generan mas asombro que esas brutales experimentaciones de larga duración que a veces nos hacen caer en un aburrimiento traumático con sus riffs de larga duración y un "tarareo" insignificante.
Diamond hizo eso, buscó algo simple, algo extrañamente simple pero que llegó a la gente de una manera espectacular y se convirtió en una de las piezas claves para el crecimiento de su fama... Que la disfruten!!!
