UNBREAK MY HEART - TONI BRAXTON 1996

unbreak my heart - toni braxton  1996

Esta canción fue, sin duda, un hito en la carrera de la cantante de Toni Braxton. ¿Quién no recuerda el single de 1996? Con él, la artista llegó al disco de platino, ganó un Grammy y vendió más de 2,4 millones de discos.

¿El único problema para lograr todo esto?
A Braxton en un principio no le gustó la balada compuesta por la creadora de éxitos Diane Warren y producida por David Foster.

"Tenía que cambiar mi imagen y ser un poco más sexy. Fue estratégico para ser una artista adulta debido a la textura de mi voz, pero todavía quería tener 25 años de edad. Un-Break My Heart me podría poner en la misma categoría que un artista adulto contemporáneo", dice.

"No quería hacerlo, pero lo hice, y fue lo más importante en mi carrera", admite la cantante. "Esto acabó siendo cierto. Oí la canción y pensé, 'Está bien, está muy bien’. Mis productores dijeron: ‘Creemos que esto será un éxito’”, dice Braxton, de 48 años, al New York Post.
Agrega que la canción, en un principio, debería haber sido interpretada por Céline Dion, pero la compañía discográfica propuso un intercambio entre las cantantes. 

"Estaba bien para mí grabar 'Because You Loved Me’. Escuché la canción y me encantó, pero el sello dijo que no era momento de lanzar una canción entre álbumes", explica. "No sé cuál era la situación, sólo sé que yo me quedé con Un-Break My Heart. Terminamos intercambiando canciones", dijo Braxton, que ha ganado siete premios Grammy y vendido 67 millones de discos.

Que la disfruten!!!

unbreak my heart

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'74 - '75 - THE CONNELLS 1993

'74 - '75  -  THE CONNELLS  1993

Es una canción ya mítica: El grupo estadounidense The Connells alcanzó una cierta fama en 1995 gracias a este tema sobre la memoria y las heridas que dejan los recuerdos. 20 años después la banda sigue en activo, pero… ¿Qué fue de los chicos de la promoción de 1975?

Año 1995. The Connells, una modesta banda de pop-rock logra colarse en los primeros puestos de las listas de éxitos con un tema (’74-’75) que en Estados Unidos no había logrado ninguna especial relevancia dos años antes, cuando se había publicado el album Ring al que pertenecía. Un caso curioso. El ritmo pausado y melancólico de la canción logró triunfar sin embargo en gran parte de Europa: el single llegaba al número 1 en Noruega y Suecia, al número 2 en Bélgica, al 3 en Suiza e incluso alcanzaba la 14ª posición en el más exigente Reino Unido.

En aquellos mediados de los 90 (pre-internet) en los que casi la única ventana al mundo musical exterior eran la radio y los programas de televisión musicales, The Connells lograron atravesar el océano y dejar una cierta impronta en forma de canción triste que se ha ido convirtiendo en una leyenda. Aunque una leyenda minoritaria: pocos han sido los medios que se han acordado del 20 aniversario de este single. Una injusticia que vale la pena combatir.

No solo es que la canción ’74-’75 fuera un temazo de por sí, que lo era: una sencilla historia de amor, memoria, nostalgia y miedos pasados. Pero había algo más que convertía este single en una canción hoy todavía recordada. Un memorable vídeo musical a cargo del director Mark Pellington (en Youtube tiene casi 9 millones de reproducciones) en el que se mostraba con gran sensibilidad una idea muy sencilla: el paso del tiempo.

Entrelazado con las imágenes de la banda, Pellington mostraba las fotografías de auténticos jóvenes graduados en el curso 1974-1975 en el instituto Needham Broughton de la ciudad de Raleigh (Carolina del Norte). Precisamente la localidad de donde son originarios The Connells. El videoclip mostraba la evolución de varios de aquellos alumnos y su cambio de aspecto entre 1975 y 1993.

Que la disfruten!!!

'74 - '75

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PLEASE DON'T GO - Kc & THE SUNSHINE BAND 1979

please don't go - kc & the sunshine band  1979

El grupo estadounidense KC & The Sunshine Band nos deleitó en 1979 con ésta canción que quedará para la posteridad de la historia y la cultura de la música mundial. ‘Please don’t go’ constituyó la primera balada de un grupo hasta entonces especializado en música de baile. Como creo que ya en dicho en varias ocasiones, en mi opinión los mejores temas de amor los firman siempre bandas a las que este género les resulta inicialmente ajeno. Esta composición lo demuestra.

Llegó al número uno en todo el mundo ya en 1980 y marcó la vida de muchas personas, todas enamoradas. Nunca nos cansaremos de oír este clásico a pesar de que han pasado ya tres décadas. Una magnífica producción del bajista Richard Finch rodea esta composición de Harry Wayne Casey, líder y vocalista del conjunto oriundo de Miami.

Ambos se habían dado cuenta de que en el repertorio de KC & The Sunshine Band se echaba de menos una canción de amor. «Entre tantos acordes de funk, disco y música pop a nosotros se nos hacía muy difícil pensar en el tipo de melodías necesarias para las baladas. Estábamos contentos con el sonido que marcaba al conjunto, pero nos lanzamos en la búsqueda de lo que nos faltaba y así llegó ‘Please don’t go’», recordaba Finch en una entrevista de la época.

La canción, un grito desesperado en petición de una segunda oportunidad en una relación de pareja, resultó un éxito inesperado y hoy quizás es el tema más conocido de la banda junto con ‘That’s the way (I like it)’. ‘Please don’t go’ ha sido utilizada por incontables marcas comerciales para su publicidad, además de aparecer en muchas películas.

Que la disfruten!!!

please don't go

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THE FIRST TIME EVER I SAW YOUR FACE - ROBERTA FLACK 1969

the first time ever i saw your face - roberta flack

Ewan MacColl compuso este "The First Time Ever I Saw Your Face" en 1957 para Peggy Seeger una joven cantante que era su amante y que más tarde se convertiría en su esposa, y aunque su estilo romántico se apartaba un poco del sonido folk con tintes políticos característico de su música, pocos imaginaron que sería su composición más famosa y por la que sería realmente conocido. El autor renegó toda su vida de la gran cantidad de versiones que llevaron al éxito esta canción, pero lo cierto es que es un tema precioso que se ha mantenido en el mundo de la música hasta nuestros días, con unas versiones tan fantásticas como las que quiero comentar.

En 1969 una jovencísima Roberta Flack incluyó la canción en su primer album, una versión lenta y sensual que recibió el espaldarazo del éxito gracias a que Clint Eastwood, que siempre ha contado con muy buen gusto musical, la incluyó en su debut como director en la película "Play Misty For Me" (Escalofrío en la Noche). Curiosamente el tema sigue de total actualidad y como tal acaba de aparecer en la banda sonora de "X-Men: Días del Futuro Pasado".

Que la disfruten!!!

the first time ever i saw your face

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WOMAN - JOHN LENNON

woman - john lennon

"Woman" es una canción compuesta e interpretada por el gran músico británico John Lennon dedicada especialmente a su mujer, Yoko Ono.
En la introducción, se puede escuchar a John susurrar: "For the other half of the sky" (que puede traducirse como "para la otra mitad del cielo"), expresión que fue acuñada por Mao(máximo dirigente del Partido Comunista de China (PCCh) y de la República Popular China).

En una entrevista para la revista musical Rolling Stone concedida el 5 de diciembre de 1980, Lennon declaró que "Woman" era una "versión madura de la cancion hecha con The Beatles llamada "Girl"".

"Woman" fue el segundo sencillo extraído del álbum del año 1980 llamado Double Fantasy, y el primero publicado tras la tragica muerte de Lennon el 8 de diciembre de 1980.
La cara B del sencillo es el tema "Beautiful Boys" cuya autoria es de Yoko Ono. El sencillo debutó en el puesto #3 en las listas de singles del Reino Unido, moviéndose a la siguiente semana al puesto #2 para alcanzar finalmente el puesto #1, donde pasaría dos semanas. En Estados Unidos, el sencillo pasaría tres semanas en el puesto #2.

Un dato curioso es que la progresión del coro al comienzo de la canción fue usado por Michael Jackson en el tema de 1991 "Black or White".

Ademas, Ozzy Osbourne grabó una versión de "Woman" para el álbum recopilatorio de 2005 Under Cover.

Que la disfruten!!!

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GEORGE MICHAEL

george michael

cuyo verdadero nombre era Georgios Kyriacos Panayiotou Nació el 25 de junio de 1963 en East Finchley, al norte de Londres, Inglaterra.
Hijo de Kyriacos Panayiotou un restaurador de Chipre, que se trasladó a Gran Bretaña en la década de 1950 y cambió su nombre por el de Jack Panos, y de Lesley Angold Harrison, una bailarina inglesa.

Pasó la mayor parte de su infancia en Kingsbury, Londres, en la casa de sus padres compraron poco después de su nacimiento y en donde asistió a la Kingsbury High School. Durante sus primeros años de adolescencia la familia residió en Radlett, Hertfordshire.


Cursó estudios en la Bushey Meads School, en la vecina localidad de Bushey, donde trabó amistad con Andrew Ridgeley y con el que formó su primera banda, The Executive, en 1981, después crearon WHAM! y lanzaron el single "Wham Rap", aunque fue su segundo single el que los catapultó a la fama, "Young Guns (Go For It!)", con el que alcanzaron los top 10.

Tras la separación graba el single "I Want Your Sex", que alcanzó el puesto numero 3 en las listas y cuyo primer video fue censurado. Lanza su segundo single "Faith" que alcanzó el puesto numero 2. Su primer álbum en solitario, "Faith" llegó al número uno en las listas de albums, se vendieron 8 millones de copias en USA y 16 millones de copias en el resto del mundo. Obtuvo un Grammy por "I Knew You Where Waiting For Me" que grabó con Aretha Franklin.

En 1988, aparece "One More Try" que alcanza el puesto numero uno y salen los singles "Monkey" y "Kissing a Fool" numero uno otra vez. Gana otro Grammy al mejor álbum del año "Faith". En septiembre de 1990 realiza "Listen Without Prejudice", con tres singles, "Praying for Time", "Waiting For That Day" y "Freedom'90", los tres alcanzan el numero uno. En 1991 el vídeo de Freedom'90 en censurado.

Se graba "Heal The Pain" que llega al puesto numero 3 y "Cowboys and Angels" que llega hasta la posición numero 14. Realiza un dueto con Elton John "Don't Let The Sun Go Down On Me", que entra directo en el puesto numero uno. En 1992, aparece "Too Funky" del álbum "Red, Hot & Dance".

En 1993 realiza un concierto benéfico junto a "Queen" y "Lisa Stansfield". Se graba "Five Live E.P.", el disco del concierto. En 1994 se enfrenta a "Sony Music" con acusaciones de no haber promocionado adecuadamente su último disco y quiere anular su contrato con por diez años. Perdió el juicio y afirmó que no volvería a grabar más bajo ese contrato.

En 1995 gana el Award al mejor artista por el concierto benéfico "The Child War". En 1996, finaliza el contrato con Sony y ficha por Virgin para 2 albums. Sale "Jesus to a Child" que alcanzó el puesto número uno. En 1997 se graba "Spinning The Wheel" que llega también al número uno. Aparece "Star People'97" que alcanza el puesto numero uno, se realiza el álbum "The Best Of Wham!", incluye el "I'm Your Man'96".

"Songs From The Last Century", aparece en 1999 con canciones escritas por algunos de los más grandes compositores del Siglo XX, incluyendo a Cole Porter, Rodgers & Hart, Johnny Mercer y Ewan MacColl.

Provocó un escándalo cuando fue sorprendido teniendo sexo con un joven en un baño público en Los Angeles, posteriormente realizó el video de la canción Outside aludiendo al suceso. El 23 de julio de 2006 fue nuevamente acusado de mantener relaciones sexuales públicas anónimas en el West Hampstead Heath Park de Londres.

A finales de 2001 firmó contrato con Universal Music. En marzo del 2002, apareció el single "Freeek!". En 2004 lanza el álbum "Patience", que debutó como n° 1 en el Reino Unido. En es mismo año, Radio Academy lo nombró como el artista que más sonó en la radio británica de 1984 a 2004.

En 2006, da inicio a su gira, 25 Live en Barcelona, España, y finalizó en el Wembley Arena en Inglaterra. El 2 de marzo de 2011, anuncia su versión cover del hit de 1987 de "New Order True Faith" en apoyo de Comic Relief.

George Michael falleció en su domicilio de Goring-on-Thames, Oxfordshire, Reino Unido, el domingo 25 de diciembre de 2016, a la edad de 53 años.

descanse en paz!!!

a different corner

careless whisper

last christmas

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HAPPY CHRISTMAS - WAR IS OVER - JOHN LENNON 1971

happy christmas  war is over - john lennon

Es una de las canciones de navidad (en España la llamaríamos villancico) más populares y conocidas por todos. Seguramente la conoce la mayoría y si no, ahí va para que la rememoren, a la vez sepan de sus antecedentes.

La canción tiene toda una historia detrás. Lo primero que se ha de decir es que es obra de John Lennon y de su entonces esposa, la japonesa Yoko Ono. No es una obra exactamente original, sino una adaptación de un himno proveniente del mundo de la hípica titulado “Skewball”, del que por cierto no es la única adaptación, existiendo muchas otras entre las cuales una de Peter, Paul & Mary otra al francés titulada “C’etait un cheval blanc” de Hugues Aufray y hasta otra de Bob Dylan. Y ello sin hablar de las versiones realizadas sobre la versión de Lennon-Ono.

El Happy Christmas de Lennon-Ono data de 1971 y es ante todo un himno contra la guerra de Vietnam, de ahí su final “war is over if you want it” (“la guerra ha terminado si tu quieres”), una campaña en la que la pareja Lennon-Ono se implicó muy intensamente, incluso alquilando de su propio dinero espacios publicitarios en once ciudades del mundo pidiendo el final de la guerra. Esto queda muy patente no sólo en su estribillo más repetido, “war is over if you want it”, sino también en el la estrofa que dice “and so happy Christmas for the yellow and red ones” (“para los amarillos y los rojos”), donde “los amarillos” simboliza a los vietnamítas, y “los rojos” a los americanos.

Su intención original antibélica no desmerece en absoluto, sino que refuerza, su carácter navideño, y llama la atención que tanto Lennon como Ono eligieran la Navidad como vehículo para transmitir su mensaje de paz. Fíjense Vds. como ha cambiado el mensaje de la izquierda con el que John Lennon se hallaba claramente comprometido en estos años que han transcurrido de 1971 para aquí, que hoy nuestros vanguardistas progres españoles y los de tantas otras partes del mundo, le hablarían a Lennon del estado laico y de lo inadecuado de mezclar un mensaje de paz y contrario a una guerra, con una festividad claramente confesional, más aún cuando esa confesión no es ni más ni menos que… ¡¡¡el temido cristianismooooo!!!!

Como quiera que sea, terminada la guerra de Vietnam pocos los que hoy recuerdan su dedicatoria a una guerra tan concreta, y lo que queda es un himno contra todas las guerras y una canción tan navideña que en una encuesta realizada por la cadena musical VH1 fue votada como la novena canción más popular de todas las dedicadas nunca a la Navidad.

John Lennon, que por cierto tuvo una dura infancia y abandonado primero por su padre, Alfred, y luego por su madre, Julia, fue criado finalmente por su tía Mary “Mimi”, se educó en el anglicanismo, nada extraño por otra parte, tratándose como se trata de un muchacho de Liverpool, por lo que su contacto con el cristianismo es evidente. Más extraño es en todo caso la participación en la canción de Yoko Ono, componente de una familia emparentada con el mismísimo emperador de Japón, y desde luego no cristiana ella misma, si bien tuvo contactos más que evidentes con el cristianismo. De hecho, acompañando a su padre cuando éste es enviado por su empresa a los Estados Unidos, es matriculada en un elitista colegio cristiano, el Keimei Gakuen, que aunque gestionado por una familia japonesa, los Mitsui, dice de sí misma que su finalidad es “construir el carácter a través del cristianismo”. Amén de ello, casó en segundas nupcias con el norteamericano Anthony Cox, con quien tuvo una hija, Kyoko que al divorciarse sus padres, marchará con el padre convirtiéndose al cristianismo de la Iglesia de la palabra viviente (Church of the living Word), una adscripción cristiana bastante moderna que data de los años 50. Una hija que como verán Vds. en la versión original del villancico, aparece mencionada en él, al principio del mismo.

La canción es cantada por el ex-beatle, al que acompaña el Harlem Community Choir. Yoko se limita a abrirla con un “happy christmas Kioko!” dedicado a su hija, muy llamativo en una persona que no profesaba la religión cristiana, lo que por otro lado, habla del carácter universal que ha adquirido en todo el mundo la navidad y el espíritu de paz y amor con el que es universalmente identificada.

Dicho todo lo cual, ahí les dejo con el precioso villancico de John Lennon, así como con su letra debajo, por si se animan a cantarlo con el célebre beatlle, así como con una propuesta que les ofrezco de traducción al español. Un poco libre dicho sea de paso, pero como se trata de una canción que ha recibido tantas versiones, aquí va también la mía.

Sirva como mi felicitación a todos en una noche tan señalada como la que nos preparamos para celebrar deseando que sean muy felices en compañía de aquellas personas con las que más deseen estar.


Que la disfruten!!!

happy christmas - war is over

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LAST CHRISTMAS - GEORGE MICHAEL 1984

last christmas - george michael / wham! 1984

es una exitosa canción de George Michael, aunque salió a la venta  por el duo de pop británico Wham! - formado por George Michael y Andrew Ridgeley - Esta canción navideña fue publicada, como tenia que ser, en Diciembre de 1984 aprovechando las fiestas. Luego de su éxito planetario, esta canción escrita por George Michael fue publicada dentro del disco Music from the Edge of Heaven que fue publicado en julio de 1986 y recopilaba las grabaciones de Wham! entre 1984 y 1986, siendo el último disco en estudio grabado por esta famosa agrupación inglesa.

La idea de lanzar una canción navideña era una de las grandes proyectos que tenía Wham! para ganar mas popularidad en su patria. Por ese entonces estos dos chicos ingleses dominaban con sus canciones el UK Singles Chart y en el mercado navideño tenian otro paso para elevar su popularidad y agradar sus bolsillos con las ventas del single que tenian planeado.
Para ello, George Michael compuso esta canción que no es un himno navideño en sí, ya que la letra habla sobre una relación amorosa fracasada y describe toda la melancolia y nostalgia que trae esto, más si se pasan las penasen la fiesta navideña, donde todo se contrasta con el ambiente de alegria y los regalos. A pesar de ese detalle, la canción rapidamente se convirtió en un estandarte pop de la navidad, siendo un éxito mundial al liderar en las listas de singles de varios paises.

Los resultados para Wham! fueron grandiosos, ya que la canción llegó al numero 1 del UK Singles Charts en 1984 y en la navidad de 1985, obteniendo un record en ventas que los dejó en la cima de la fama. Debido a esto George Michael y Andrew Ridgeley, en su afán navideño, decidieron donar todo el dinero recaudado por el single "Last Christmas / Everything She Wants" y los derechos de autor de ambos temas para combatir la hambruna en Etiopía. Un bonito gesto!!
Pero en 1986 con Wham! ya separado, la discográfica decide nuevamente publicar esta canción para obtener nuevas ganancias en navidad, pero quedó fuera de los Top 40 de chart británico y tuvieron que dejarla un rato en paz.

En Estados Unidos la canción no formó parte del Billboard Hot 100 ya que fue publicado solo como un single promocional en 1984. Esto fue para evitar el supuesto fracaso del single... pero el tiempo les daria mas de una sopresa a Wham! y sus productores.

Otros pais donde la canción marcó un record fue Japón. En la tierra de "Oliver Atom" (?) la canción fue ganando popularidad lentamente hasta convertirse en el single mas vendido en 1992 con mas 600.000 copias vendidas.

Pero no todo lo que brilla es oro, ya que la canción tambien fue parte de una polémica por un supuesto plagio debido a las similitudes musicales entre "Last Christmas" y "Can't Smile Without You" popularizada por Barry Manilow. Ambos artistas llegaron a un acuerdo extrajudicial por este supuesto plagio, y decicieron que todo el dinero recaudado por la canción de Wham! el año 1984 fuera donado a la agrupación musical de caridad Band Aid donde George Michael era partícipe junto a otros artistas de la talla de Bono, Paul Young, Boy George y Phill Collins...

En fin, hoy les dejamos una famosa canción navideña justo en la previa de la Noche Buena... asi que pasenlo bien, con moderación y recuerde que estas fechas mas que regalar cosas materiales hay que actuar, reflexionar y pasar en familia...


Que la disfruten!!!

last christmas

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CARELESS WHISPER - GEORGE MICHAEL 1984

careless whisper - george michael  1984

es una exitosa canción de George Michael, sacada en el album Make It Big en 1984 junto a su grupo Wham!( mas bien era un duo junto a Andrew Ridgeley). Fue lanzado por Epic Records en el Reino Unido, Japón y otros países, y por Columbia Records en toda América del Norte.
Cuenta con un distintivo riff saxofón, y ha sido registrado por una serie de artistas,desde su lanzamiento. Logrò vender casi seis millones de copias en todo el mundo.

La canción fue publicada por George Michael en un afamado rol solista, mientras él formaba parte del grupo pop Wham!, aunque por afan comercial se le acredita aun como parte del grupo, de hecho en Estados Unidos la caratula del single decia Wham! & George Michael. Ademas la cancion fue co-escrita por Andrew Ridgeley, el otro miembro del dúo britanico.

Los dos habían escrito esta cancion tres años antes, cuando Michael estaba trabajandp en un cine en Watford, Inglaterra.
En Junio de 2006 en una entrevista en Londres hecha por una radio a Michael dice que él escribió lo que tenia "en la cabeza" durante el trabajo y que él recuerda que hizo el riff de saxofon mientras abordaba el autobús número 32 camino a su casa. Originalmente en el riff había palabras, pero esto no le gusto a George Michael argumentando que tenian una lirica pobre.

La canción pasó por varias etapas en la producción. La primera fue durante un viaje realizado por Michael a Alabama, en la que llegó a trabajar con el legendario productor Jerry Wexler (trabajò junto con The Yardbirds, con Aretha Franklin entre otros) en el mitico Muscle Shoals Studio.
Michael no estaba satisfecho con la versión que habia producido para la canciòn y decidió volver a grabar y producirla él mismo. La versión producida por Wexler fue lanzada como un lado B llamada "Versión especial" publicado solo en Inglaterra.

El estilo de una balada soulful y un notable solo de saxo (interpretado por Steve Gregory), el single se publicó en agosto de 1984, llegando rapidamente al puesto 12 en el Reino Unido. Dentro de dos semanas, ya estaba en el número uno.

Que la disfruten!!!

careless whisper

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A DIFFERENT CORNER - GEORGE MICHAEL 1986

a different corner - george michael  1986

“A Different Corner” es una canción escrita e interpretada por George Michael, que fue lanzada en Epic Records (Columbia Records en los EE.UU.) en 1986.En el momento de su lanzamiento en abril de 1986, Michael seguía siendo miembro del dúo pop Wham! (la canción está incluida en el álbum de Wham! “Music from edge of heaven” lanzado solamente en Japón y América del Norte, así como en su álbum recopilatorio “The Final” lanzado en todo el mundo), aunque él y su socio Andrew Ridgeley habían anunciado que iban a dividirse en el verano después de un single de despedida, un álbum y un concierto.

Michael ya había disfrutado de un sencillo #1 en la lista de singles del Reino Unido en 1984 con “Careless Whisper”, que fue acreditado como Wham!, con George Michael en los EE.UU..

Después de que el DJ Simon Bates emitiera por primera vez “A different corner” en Radio 1, calificó tan alto a la canción que inmediatamente la puso de nuevo desde el principio. Michael regresó a la cima de las listas británicas con “A Different Corner“, se convirtió en su primer acto en solitario en la historia de las listas británicas que llegaba al #1 con sus dos primeros lanzamientos, aunque no era un desconocido por sus éxitos anteriores con Wham!. La canción también se le atribuye ser el segundo #1 (después de “I just called to say I love you” de Stevie Wonder) que fue escrita, cantada, tocada y arreglada, y producida por la misma persona.

La canción alcanzó el puesto # 7 en la lista de Estados Unidos Billboard Hot 100, convirtiéndose en el primer single acreditado únicamente a Michael en convertirse en un top-ten hit americano. El video musical se encuentra en una habitación blanca con una ventana. George Michael viste de blanco y aparece sentado y vagando por la habitación cantando la canción.

Que la disfruten!!!

a different corner

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PINK FLOYD

componentes

David Gilmour

SYD BARRETT †

NICK MASON

BOB KLOSE

ROGER WATERS

RICHARD WRIGHT   †

Breve historia

Pocas agrupaciones han sido tan grandes como Pink Floyd. En su historia, cambiaron la música, y crearon nuevos estilos, además de dar un nuevo significado a la ópera rock, componiendo canciones y discos completos como relatos de vida, y con letras y música profunda, llena de emoción, durante sus casi 50 años de historia.
Pink Floyd, la banda que cambió la música desde el lado oscuro de la Luna
La década de los años 1960 ha sido de las más significativas para la historia de la música, desde para el Rock en general hasta para cualquier género. Fueron demasiados grandes que nacieron y se dieron a conocer en estos 10 años que lo cambiaron todo, y hoy en día siguen sonando tan bien como entonces, incluso mejor. Fueron dioses musicales, de los que cuesta que volvamos a ver, y entre ellos en una posición muy prestigiosa se encuentra Pink Floyd.
Durante casi 50 años, Pink Floyd ha revolucionado la músicaY es que Pink Floyd es mucho más que una agrupación de rock progresivo, rock psicodélico, rock sinfónico o espacial. La agrupación de Waters, Gilmour, Mason y Wright (y Barrett) se movió por muchos géneros, y creó o modificó algunos otros, pero en general, su música fue y es grandiosa; cada uno de sus discos se convirtió en una obra maestra del más puro arte, y son un icono cultural en todo el mundo.
Podríamos dividir, sin ser completamente justos, la historia de Pink Floyd en tres eras: la más psicodélica y espacial, la más sinfónica y la más progresiva, con muchos elementos de Blues. Personalmente, a mi me gusta catalogarlas de otra forma, dependiendo de quién marcó el estilo de la época, y cómo se notó su influencia durante todos los discos que abarcó. Todos los integrantes de Pink Floyd marcaron un antes y un después en la agrupación, y en la música, pero sus tres líderes, marcaron las bases de la banda durante tres temporadas.

La era y el legado Barrett

Pink Floyd Como suele suceder, nació a raíz de varios intentos musicales de sus integrantes en varias agrupaciones. Todo comenzó en el año 1964 con una agrupación llamada "Sigma 6", pero no fue sino hasta se formó la agrupación Tea Set que se juntaron Roger Waters, Nick Mason, Richard Wright y Syd Barrett, y ese nombre se mantuvo en la banda por mucho tiempo, hasta que por el simple hecho de encontrarse con una agrupación más vieja que llevaba el mismo nombre, pasaron a llamarse The Pink Floyd Sound.
Barrett fue el primer gran líder de Pink Floyd (que poco tiempo después pasaría a llamarse simplemente así), y su estilo estaba marcado por su gusto en The Beatles y del género R&B. El estilo y sonido de Syd Barrett está muy marcado en el primero disco de Pink Floyd, llamado The Piper at the Gates of Down; canciones como Interstellar Overdrive y Arnold Layne o The Scarecrow son sinónimo de Barrett.
La primera era de Pink Floyd estuvo increíblemente marcada por el rock psicodélico y espacial, y esto es en gran parte gracias al primer y perturbado líder de la banda. Perturbado, porque Barrett no duró mucho como parte de la agrupación; a inicios del año 1968 su estado mental era tan grave, gracias al estrés y al consumo de drogas como LSD, que el resto del grupo decidió llamar a un amigo de su líder, llamado David Gilmour, como guitarrista invitado para conciertos, que ayudara a Barrett con voces y guitarra cuando a este le dieran bloqueos mentales (que eran cada vez más comunes entonces).
Aún sin Barrett, su estilo y legado marcó a la banda por 7 discosPero no funcionó, y en abril de 1968 decidieron retirar a Barrett de la banda, por lo que el gran Syd estuvo solamente para un disco y medio de Pink Floyd, aunque su legado y esencia continuó presente en la banda por muchos discos más.
El sonido psicodélico de Pink Floyd no murió con la salida de Barrett; aunque es cierto que la banda cambió su estilo en la siguiente era, los primeros 6 (o 7) discos se mantuvieron fieles al estilo psicodélico, espacial y sobre todo experimental, y es por el interés de Gilmour y Waters (principales compositores en la banda) en siempre buscar nuevos sonidos, que cambió tanto Pink Floyd en su historia, y llegaron discos como el A Saucerful of Secrets, el Ummagumma, Atom Heart Mother, y esa obra maestra, llamada Meddle.
Después de esta era no quiere decir que Pink Floyd no haya continuado su legado con música psicodélica, pero la siguiente época vendría muy marcada de forma personal e íntima de uno de sus integrantes, que dejó libre su lado más artístico, y Floyd pasó de ser una agrupación que podías intentar encasillar en uno o dos estilos musicales, a arte en su forma más pura, una ópera, un relato contado con música, con sentimiento, emoción, e historias trágicas, llenas de melodías tristes, alegres, con ira, con fuerza.
En el año 1973 comenzó el "lado oscuro de Pink Floyd", con uno de los discos más conocidos en la historia de la música, y que marcó un antes y un después en el legado de la banda.

La era Waters

Roger Waters mostró su lado más artístico y también oscuro a partir del año 1973 y el mítico disco The Dark Side of the Moon. Mientras que Gilmour se convertía en el vocalista principal de la banda, Waters se dedicaba a hacer evolucionar el sonido de la agrupación, convertirlo en algo difícil de clasificar, en una orquesta, abrió las puertas al rock sinfónico y empezó a componer óperas, con continuidad, que narraran historias maravillosas, impactantes y sobre todo muy personales, cosa que veremos en los dos últimos discos con Waters en la agrupación.
The Dark Side of the Moon fue un éxito mundial, que llevó a la banda a ser reconocida en todo el planeta y ganarse su tan merecido lugar en la historia (hasta entonces, su éxito en Europa era innegable, pero no en los Estados Unidos). Puede que Money sea una de las canciones más exitosas y conocidas en la historia del Rock, y sin duda el gran sencillo del álbum, pero todo el disco es una obra de arte, narrando o intentando plasmar las expresiones que vive el ser humano durante toda su vida.
Esta vez, la banda amplió de manera definitiva su sonido con saxofones, flautas y mucha influencia de Jazz, algo que permitía a Gilmour demostrarnos su increíble talento como guitarrista, mientras que dejaba a Waters jugar más con las melodías. Breathe, On The Run y Time son la apertura gloriosa de este disco, que merece ser escuchado de inicio a fin sin detenerse.
Trás The Dark Side of the Moon llegaron dos discos muy personales de Waters, el primero de ellos, Wish you Were Here, es otra de las grandes obra maestras de la agrupación (¿acaso todas no lo son?) y una de sus canciones, Shine On You Crazy Diamond, está compuesta en honor a Syd Barrett y su estado mental en declive. De hecho, el primer guitarrista y líder de la banda apareció en el estudio en medio de la grabación, sin previo aviso, y en un estado de completa confusión mental. No solo eso, en este disco tanto Gilmour como Waters continúan con su severa crítica a la industria musical, con canciones tan geniales como Have a Cigar y Welcome to the Machine.
La era Waters es la época más conceptual de la agrupación, marcada por sus tendencias políticas, crítica a la industria y experiencias y tragedias personales, ya fuera por la pérdida (mental) de su gran amigo Syd, o de su padre, un hecho que marcó la vida del bajista y compositor.
El siguiente disco de Floyd sería uno de los más interesantes y que de nuevo apostaba por ser una ópera conceptual. El Animals fue compuesto en gran parte por Roger Waters (sobre todo las líricas) luego de leer un libro que cambió su vida y la forma de ver a la sociedad, "la Granja Animal" de George Orwell, y por ello en el disco de cinco canciones se dedicó a describir a la sociedad capitalista como tres animales: Ovejas (el pueblo, el rebaño pisoteado y explotado), Perros (el opresor, que golpea y muerde a las ovejas), Cerdos (el jefe capitalista, el empresario, el líder de corporaciones que solo se enfocan en ganar dinero a expensas de los demás).
El resultado es, de nuevo, una obra maestra.
Pero no sería sino hasta el año 1979 en el que llegó el segundo disco más conocido de Pink Floyd y, quizás, la obra maestra de Roger Waters. Una verdadera ópera, que incluso fue acompañada con una escenografía impresionante durante la gira, y es que era mucho más que ver a los músicos tocar canciones, músicos que ahora no solo eran Gilmour, Wright, Mason y Waters, sino también una orquesta sinfónica.
The Wall es la obra maestra de Waters, basado en su niñez y en la vida de Syd BarrettThe Wall es el disco más importante en la historia de la ópera rock, un disco inspirado tanto en la niñez de Waters (y por ello, uno de sus discos más íntimos) como en, de nuevo, Syd Barrett. Está basado en la historia de la vida del personaje "Pink", el abandono y la soledad.
En su niñez, Pink es Waters, un niño que sufre la pérdida de su padre durante la Segunda Guerra Mundial, y que intenta ser amoldado acorde a la sociedad por profesores opresores y lava cerebros. Al ser adulto, Pink es Barrett, un artista que abusa de las drogas y se pierde en su soledad, depresión y adicción. The Wall incluso tuvo una película que llevó a la gran pantalla, de una manera gloriosa, todos los acontecimientos del disco que también eran representados en el escenario de las giras, algo que hoy en día continúa haciendo Roger Waters.
The Final Cut es el último álbum de Pink Floyd en el que estaría Roger Waters, luego de que, durante la grabación de The Wall, despidiera a Richard Wright luego de desplazarlo por completo de la composición, dejarlo de lado, y rechazar su participación artística.
En este punto Pink Floyd era más Roger Waters que nada, aunque la esencia musical de Gilmour estaba muy presente, como siempre, en la guitarra y sus melodías fascinantes. Pero The Final Cut era un disco aún más íntimo de Waters, completamente centrado en las fuerzas armadas de Reino Unido y la traición de estas con sus veteranos, y hombres caídos en la guerra, como por supuesto, su padre.
Luego de The Final Cut, Waters se fue para nunca más volver a componer junto a los miembros de la banda que vio nacer, e hizo crecer por tantos años. Esto fue en el año 1985, y luego de esto, la banda parecía que iba a morir, pero comenzó la tercera y última era de la mítica agrupación musical.

La era Gilmour

EN 1985, WATERS DECLARÓ LA EXTINCIÓN DE PINK FLOYD, PERO EL RESTO DE LOS MIEMBROS, ENCABEZADOS POR GILMOUR, SIGUIERON DANDO VIDA AL GRUPO HASTA SER DEMANDADOS POR WATERS DEBIDO A LOS DERECHOS DEL NOMBRE DE LA BANDA, YA QUE ELLOS CONTINUARON GRABANDO Y HACIENDO GIRAS BAJO EL NOMBRE DE PINK FLOYD MIENTRAS QUE WATERS PENSABA QUE EL NOMBRE DE LA BANDA NO DEBÍA SEGUIR SIENDO UTILIZADO. TRAS LOS JUICIOS, WATERS OBTUVO LOS DERECHOS EXCLUSIVOS SOBRE TODA LA IMAGINERÍA QUE DESPLEGABAN EN SUS CONCIERTOS (INCLUIDO SU FAMOSO CERDO VOLADOR) Y LOS DERECHOS SOBRE EL ESPECTÁCULO AUDIOVISUAL DE THE WALL (EXCLUIDOS LOS TRES TEMAS QUE COMPUSO GILMOUR PARA LA OBRA: "YOUNG LUST", "RUN LIKE HELL" Y "COMFORTABLY NUMB". LA JUSTICIA IGUALMENTE LE RECONOCIÓ LOS DERECHOS DE TODA LA OBRA INCLUIDA EN THE FINAL CUT, MIENTRAS QUE EL RESTO DEL GRUPO PODÍA SEGUIR USANDO EL NOMBRE. 

TRAS SUPERAR ESTOS PROBLEMAS LEGALES, GILMOUR, MASON Y WRIGHT DISFRUTARON DEL ÉXITO COMERCIAL CON A MOMENTARY LAPSE OF REASON (1987), DISCO EN EL QUE WRIGHT PARTICIPÓ COMO TECLISTA ASALARIADO Y NO COMO MIEMBRO DE LA BANDA, Y CON THE DIVISION BELL (1994), ÚLTIMO DISCO DE ESTUDIO DEL GRUPO EN EL QUE YA APARECIERON GILMOUR, MASON Y WRIGHT COMO COMPONENTES DE LA BANDA. WATERS, POR SU PARTE, SE EMBARCÓ EN UNA CARRERA COMO SOLISTA Y NO SE VOLVIÓ A REUNIR CON PINK FLOYD HASTA 24 AÑOS DESPUÉS, EL 2 DE JULIO DE 2005 EN EL CONCIERTO LIVE 8 EN LONDRES.
En el año 1986, Gilmour y Mason comenzaron a componer y grabar el que sería el disco número 13 de la banda, aunque esto inició una disputa legal con Waters, dado que el antiguo bajista creía que la banda debería dejarse morir, y no continuar, pero Gilmour y Mason lucharon por hacerse con los derechos, y así fue.
A Momentary Lapse of Reason, sin embargo, es un disco que suena más a Gilmour que a nada más. La banda asegura que algunas canciones incluso venían de la era Wright, pero el estilo musical del disco está completamente relacionado al guitarrista, suena a él, y algunos críticos decían que este debió haber sido su primer trabajo solista, y no llevar el nombre de Pink Floyd.
La banda en este punto cambió demasiado, el salto drástico de sonido que se da entre The Final Cut y A Momentary Lapse of Reason es increíble, parecen dos agrupaciones completamente distintas, mucho más que el salto entre el Obscured by Clouds (era del legado Barrett) y The Dark Side of the Moon (inicio era Waters).
Desde que en el año 1987 saliera este disco, la banda se ha mantenido muy calmada, disminuyendo considerablemente la velocidad en al que compone, y en la que saca nuevos álbumes. De hecho, en el año 1993 vuelve Richard Wright a Pink Floyd, y un año más tarde lanzan The Division Bell, un disco que aunque sigue con el sonido de Gilmour muy marcado, suena espectacular, hay varias canciones en este álbum que pueden ser consideradas de las mejores en la historia de la música, y para prueba, esa brillante interpretación de High Hopes en el concierto Pulse que dio la banda a mediado de la década de 1990.
Lamentablemente, todos los fanáticos de la mítica agrupación nos quedamos esperando una reunión definitiva, una nueva gira, o un disco con los cuatro miembros originales de la banda.
En el año 2005 todo apuntaba a que sería así, a que Pink Floyd se reuniría, pero no lo fue, solamente se volvieron a ver los cuatro integrantes en escenario en el concierto Live 8 de Londres, el 2 de julio del año 2005, luego de 24 años sin tocar juntos. Es una de las reuniones musicales más emotivas de la historia, incluso cuando se notaba que Gilmour y sobre todo Mason no estaban tan cómodos alrededor de Waters.
El 15 de septiembre del año 2008 falleció Richard Wright, poniendo el fin definitivo a Pink Floyd, y una posible reunión que nunca sucederá. Puede que Gilmour después ha tocado con Waters un par de canciones, pero Waters no vuelve, ni volverá, a la banda. Actualmente trabajan en un nuevo disco, llamado The Endless River, pero solamente Nick Mason y Davod Gilmour, incluyendo canciones que incluso llegaron a grabar junto a Richard Wright.
Pink Floyd es una de las agrupaciones más importantes no solo en la historia del rock, y cómo lo hizo evolucionar, sino en la historia de la música en general. Pocas, muy pocas bandas o músicos han logrado crear estilos, marcar tendencia, y contar con canciones y álbumes completos que no serán olvidados nunca, y que marcaron una generación completa, siguen haciéndolo, y lo harán por siglos.
Hacer una lista con las mejores canciones de un grupo es tarea harto complicado, porque cada persona suele tener sus propias preferencias que normalmente no suelen estar vinculadas a las peculiaridades de la canción en particular, sino más bien a ciertos momentos vividos con una canción determinada. Teniendo ese dato en cuenta, voy intentar marcar mis favoritaS DE PINK FLOYD. Hay mucho que me gusta escuchar de este grupo, tan querida, incomprendida y criticada por muchos. El grave error de muchos ha sido el relacionar a esta banda con el tema de los estupefacientes, alucinogenos y derivados que automaticamente los satanizaron y clasificaron su música como para gente pasada de vueltas. Ello ha llevado a que muchas personas se hayan privado del placer de disfrutar de ciertas joyas musicales, que pasaron desapercibidas, por las imposiciones publicitarias de la época, donde las emisoras de los años 70's, 80's incluso de los 90's.

1.- HEY YOU

2.- COMFORTABLY NUMB

3. - THE FINAL CUT

4.- ON THE TURNING AWAY

5.- LEARNING TO FLY
6.- US AND THEM
7.- WHIS YOU WERE HERE
8.- BRAIN DEMAGE

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THANK YOU FOR LOVING ME - BON JOVI 2000

THANK YOU FOR LOVING ME  - BON JOVI  2000

Esta es una canción especial para mi, pues desde la primera vez que la escuché, sabía que estaba destinada a esa persona que Dios me tenía reservada y a la que tengo que dar las "GRACIAS POR AMARME"

Gracias Isabel, por haber aparecido en el momento en el que ya casi estaba a punto de retirarme del camino de la esperanza, donde la ilusión estaba a punto de convertirme en un iluso mas. Gracias por tanto para mi y tan poco para ti, como tú dices.

No puedo decir nada mas, Me has demostrado tanto amor, que me has entregado lo mejor de ti y buscado para darme lo mejor de mi; mis hijos.

quisiera que quedara todo dicho con esas cinco palabras
GRACIAS POR AMARME HOY Y SIEMPRE

Que la disfruten!!!

thank YOU for loving me

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THE CHI LITES

THE CHI LITES

El grupo se formó en 1950, cuando a finales de los Cantantes ( Record, Robert " Squirrel" Lester y Clarence Johnson) se asoció con Marshall Thompson y Creadel "Red " Jones Desideros para formar The Hi- lites . Deseando agregar un homenaje a su ciudad natal de Chicago , cambiaron su nombre a " Marshall y el Chi -Lites " en 1964. Johnson dejó ese mismo año , y su nombre fue acortado a The Chi- Lites .
El disco fue el principal compositor del grupo ' s , aunque a menudo colabora con otras como Barbara Acklin .
Sus grandes éxitos llegaron en 1971 y 1972 con " Have You Seen Her" y "Girl Oh" , este último número uno en el Billboard Hot 100 en 1972. Otros transatlánticos gráfico rompe siguieron, aunque la producción se ha vuelto más fragmentado ya que el personal del grupo llegó y se fue . Por ejemplo , el bajo cantante Jones salió en 1973 y fue reemplazado en rápida sucesión por Stanley Anderson , Willie Kensey y Doc. Roberson . Poco después, Eugene Record izquierda, y David Scott y Danny Johnson se unió . Más cambios en el personal siguieron, cuando Johnson fue sustituido por Vandy Hampton en 1977.
En este punto , el grupo se desintegró por completo , pero re- formado en 1980 con el Cuarteto mediados de 1960 Record , Thompson , Jones , y Lester juntos de nuevo . Creadel Jones abandonó por segunda vez en 1982 , y el grupo fue un trío. Registro de nuevo a la izquierda en 1988 , y traer de vuelta Frank Reed fue contratado , considerado por muchos como uno de los mejores de la historia del grupo . Reed dejó por razones desconocidas, y el cantante Anthony Watson se uniría al grupo. (Cabe señalar que Lester tomó la voz principal en "Girl Oh" , mientras que Watson tomó en sus otras canciones . ) Hasta entonces , el grupo también contó con un miembro femenino .
Una vez que los resultados fueron completamente seco, se han producido nuevos cambios. En 1989 , Jones regresó de nuevo, pero más tarde irse. A lo largo de la década de 1990 , Watson dejó dos veces. Cada vez que Reed hizo cargo de la cantante . En 2002, el grupo estaba formado por Marshall Thompson , Robert Lester , Anthony Watson , Henderson y Tara. Watson fue por tercera vez , cuando la esposa de Thompson asumió como vocalista femenina .
Entonces Thompson fue detenido por razones desconocidas, y Reed regresó a su reemplazo temporal . Al regresar de Thompson , Watson habría sido disparado desde el grupo , y Reed asumido una vez más el papel de la cantante .
El día de hoy Chi -Lites line-up incluye miembros incondicional Marshall Thompson y Robert " Squirrel" Lester y Tara Thompson y vocalista Frank Reed.
Robert Lester falleció el 21 de enero de 2010 a Hospital de Roseland en Chicago, después de una larga batalla contra el cáncer de hígado. Tenía 67 años .

Que disfruten DEL GRUPO!!!

OH GIRL

HAVE YOU SEEN HER

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OH GIRL - THE CHI LITES - 1972

oh girl - chi lites 1972

Tras varios singles que hicieron crecer su reputación, en 1968 llegaron al prestigioso sello Brunswick Records, con el que vivieron su esplendor. Un año más tarde publicaron el sencillo “Give It Away“, su primer hit en Estados Unidos y el primero de sus grandes contrastes.

Aunque Chi-Lites tenía numerosas canciones rápidas de soul y de rhythm and blues, el grupo se hizo muy popular por sus temas lentos, baladas y canciones sentimentales. “Oh, Girl”, de 1972, es una buena muestra de esas dulces melodías, con preciosas armonías vocales y letra muy romántica.

Que la disfruten!!!

oh girl

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TORMENTA

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HAVE YOU SEEN HER - THE CHI LITES 1972

have you seen her - chi lites 1972

Una canción al estilo doo-wop (popular décadas atrás) pero en los 70's y con esta agrupación soul/r&b llamada The Chi-Lites que nos traslada de a poquitos a una historia de pérdida y soledad llamada "Have You Seen Her" parece ser una canción tranquila pero es una oda al amor perdido 'dios sabe cómo', dulce, en falsetto y emblemática del soul de incios de esta prolífica década musical. 

Clásico que tiene todo el sello de inicios de los 70's estampado sobre sí, es del grupo de 'oldies' que tuvo su lugar en la radio peruana, en las clásicas estaciones de la FM que ya no están más al aire y que siempre menciono (stereo 100 y telestéreo) lo que en 1999 me llevó a comprarme dos volúmenes de una serie en disco compacto llamada "The Love Album" en donde se encuentra este hit de los Chi-Lites que primero conocí a través de la versión hip hopera de M.C. Hammer (1990), aunque es la original en todo su tono cuidadosamente equilibrado entre lo sobrio y lo casi lloroso, con mucho énfasis en ir llevando la historia al climax de lo triste rumbo al final de la canción, con la frase "you know, it's funny. I thought I had her in the palm of my hand".

Que la disfruten!!!

have tou seen her

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CAN'T TAKE MY EYES OFF YOU - FRANKIE VALLI 1967

can't take mY EYES off YOU - FRANKIE VALLI  1967

"Esta canción con letra del productor, compositor y mánager Bob Crewe y música del teclista Bob Gaudio ha seducido a millones de amantes del pop durante casi cinco décadas. Desde que en 1967 la popularizó Frankie Valli & The Four Seasons y la llevó al número dos de las listas de éxitos estadounidenses, este tema tan simple como pegajoso ha extendido su melodía, mensaje y coro memorable por todo el planeta en numerosos idiomas hasta convertirse en un clásico que todavía sigue vigente y perdura.

La versatilidad de ‘Can’t take my eyes off you’ no tiene fronteras porque nos cuenta algo que seguro nos ha pasado a todos en alguna ocasión cuando no puedes dejar de mirar a alguien, aunque suene superficial. Quizás lo que te ha llamado la atención es su forma de hablar, tal vez su caminar, igual la forma en que mira a las demás personas, cada detalle que te dé un motivo más para pensar en ella. Y, a lo mejor, ni siquiera te resulta un ser atractivo, sea hombre o mujer, pero no puede apartar tu mirada de él.

Escucharla e imaginarte una bonita historia de amor, donde crees que todo es mágico y sueñas con que alguien te diga lo que dice esta canción, es todo uno. Lo que muchos quisieran escuchar de boca de sus parejas. Esas trompetas, el piano, las campanadas y la armonía se unen para abastecer de magia a este tema. Es una canción sobre la vida y el amor que ha dotado debanda sonora a todas las bodas que se han celebrado en Estados Unidos desde 1967 hasta la fecha a pesar de que musicalmente se sale un poco de la balada típica, con cambios de ritmo de lo melancólico a lo exaltado.

Que la disfruten!!!

can't take my eyes off you

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